Die Projekte des Architekten Pitsou Kedem spiegeln seine Art zu leben wider: eine kontinuierliche Suche nach Licht, Stille und Materie. Von seinem 2000 gegründeten Studio aus entwickelt er eine tiefgründige und ausdrucksstarke Interpretation des Minimalismus, geprägt von materieller Vielfalt, Respekt vor dem Kontext und dem Wunsch, das Chaos zu ordnen. Seine Gebäude laden zur Pause ein und wirken wie ein Balsam für die Sinne. In diesem Gespräch erzählt er, was ihn berührt, was ihn inspiriert, welche Prinzipien seine Arbeit leiten und welche Routinen seinen Alltag strukturieren. Durch seinen Blick – als Fotograf und Architekt – entdecken wir eine Art, Licht als Material zu verstehen, als Element, das die Realität zeichnet und ihr Tiefe verleiht.

Pitsou Kedem erzählt uns, wie sich alles veränderte, seit er erstmals das vom Bildhauer Danny Karavan errichtete Monument in der Negev-Wüste betrat.

In seinen Gebäuden lässt Pitsou Kedem dem Material Raum zum Atmen – und in seinem eigenen Inneren gewährt er seinen Gedanken dieselbe Freiheit. Deshalb trägt er stets ein Buch bei sich und sucht jeden Tag einen Moment, um sich in einem Café niederzulassen und in die Lektüre zu versinken. Dieses Eintauchen in andere Leben hilft ihm, Abstand zu gewinnen, den Geist zu klären und die Aufmerksamkeit zu schärfen.

Der Künstler James Turrell und seine Art, Licht und Raum zu begreifen, halfen Pitsou Kedem, zwei Seiten seiner Persönlichkeit miteinander zu verschränken: das Bedürfnis nach Ordnung und die Suche nach Wärme. Die erste Begegnung mit seinem Werk fand im Israel Museum statt, wo sich Space that sees befindet – eine raumgreifende Installation, die sich zum Himmel öffnet und zur meditativen Betrachtung der Wolkenbewegung und des Lichts einlädt, das den Raum durchdringt und erfüllt. Pitsou Kedem sucht in seinen eigenen Projekten nach jener materiellen und formalen Zurückhaltung, die Raum für Emotion und Gedanken lässt.

Dasselbe Gefühl, das ihn vor Turrells Werk ergriff, stellt sich jedes Mal ein, wenn er zu seiner größten Inspirationsquelle zurückkehrt: der Natur. Beim Klettern in den norwegischen Fjorden erlaubt die Stille seinen Gedanken zu schweifen, während das Licht „auf der weißen Leinwand der Landschaft malt“. Zurück im Studio übersetzt er dieses verdichtete Empfinden in Räume, die sich nicht aufdrängen, sondern den Menschen, die sie bewohnen, Ausdruck ermöglichen.

Eine Überzeugung leitet seine Arbeit: Licht ist für den Raum das, was das Rohmaterial für eine Struktur ist. Es wird eingesetzt, um zu bauen und Form zu geben. Im Studio begreifen Pitsou Kedem und sein Team jedes Gebäude als Gelegenheit, dem Licht Einlass zu gewähren und Bedeutung zu stiften, Texturen zu beleben und Volumen hervorzuheben. Für ihn ist Architektur „die menschliche Erfahrung im Raum“, und das Licht ist ihr Verbündeter, der sie bereichert. Deshalb ist für Pitsou die Szene aus dem Film The Brutalist, in der der Architekt mit einer Taschenlampe zeigt, wie das Licht auf das Gebäude fallen wird, die Verdichtung seiner 25-jährigen Berufserfahrung in einer einzigen Minute.

Seine Sprache besteht aus Dichotomien, aus Spannungen, aus präzise ausbalancierten Gleichgewichten. Pitsou weiß, dass wir ohne Dunkelheit das Licht nicht erkennen können – und dass es erst dann kostbar wird, wenn wir uns der Existenz beider bewusst sind. In seinem Studio wird einen Minimalismus verfolgt, der weder neutral noch kühl ist: Er ist emotional, ausdrucksstark und gewinnt seine Tiefe aus dem Kontrast zwischen Licht und Schatten, zwischen Farben und Texturen. Müsste Pitsou einem jungen Architekten nur einen einzigen Rat geben, wäre es dieser: „Finde deine Sprache und bleibe ihr bis zum Ende treu. Auch wenn es draußen laut ist, auch wenn andere sagen, sie sei extrem oder überzogen. Glaube an deine architektonische Wahrheit.“

In der Architektur, einem Beruf, der oft vom Ego geprägt ist, wählt Pitsou Kedem bewusst den entgegengesetzten Weg. Er sucht die Zusammenarbeit mit Menschen, die teilen wollen – denn für ihn ist Teamarbeit grundlegend, um jene Kreativität freizusetzen, die aus Dialog und Austausch entsteht. Wie im Raum entsteht auch hier Emotion aus dem Zusammenspiel von Licht und Material.

So beschreibt sich Pitsou Kedem selbst: „Ich bin kein Architekt, der auch fotografiert; ich bin ein Fotograf, der auch baut.“ Diese Art, die Welt – und die Architektur – durch die Linse zu betrachten, aus der alles seinen Ursprung nahm, ist bis heute in seiner Arbeit präsent. Und es ist nicht nur der Blick, sondern der gesamte Prozess: das, was dem Auslösen vorausgeht und was ihm folgt. Das Warten darauf, dass das Betrachtete belichtet wird – durch das Licht, das kurz vor der Aufnahme auf das Gebäude fällt, durch jenes, das in das Negativ eindringt und sich darin einschreibt und durch die Chemikalien, die das Bild in der Dunkelkammer langsam sichtbar werden lassen. Mit der Haltung eines Fotografen entwirft Pitsou das Gebäude: Schritt für Schritt, indem er ihm erlaubt, sich selbst zu zeigen.

Der Rückkehr wohnt eine Poesie inne, die dem Aufbruch fehlt. Fortzugehen ist aufregend, doch von der Odyssee bis zu Chihiros Reise ins Zauberland lehren uns große Erzählungen, dass das menschlichste Verlangen das Heimkommen ist. Wir wissen das und wir spüren es nach jedem Tag. Deshalb ist gutes Design von zentraler Bedeutung in dem Raum, den wir Zuhause nennen. Architektur, Materialität und Licht müssen sorgfältig aufeinander abgestimmt sein, damit wir uns geborgen fühlen.

Im Schlafzimmer, dem einzigen Raum, in dem Eile keinen Platz hat, erhält diese Prämisse eine besondere Relevanz. Hier widmen wir uns dem Lesen, der Kontemplation und dem Denken, bewegen uns zwischen Tag und Nacht, Schlaf und Wachsein, Aktivität und Ruhe. Das Licht begleitet diesen Übergang und macht ihn angenehm. In allen Räumen eines Hauses, hier jedoch in besonderem Maße, geht gut gestaltete Beleuchtung über ihre Funktion hinaus und richtet sich an das Sensible: Sie hilft, den Rhythmus zu verlangsamen, Spannung abzubauen und uns sanft zum Ende des Tages zu führen, bis wir in einen tiefen Schlaf gleiten.

Dieses Licht muss warm, ätherisch und umhüllend sein, sich mit dem Raum verbinden, ohne sich aufzudrängen. So wie das Licht der Leuchte Flamingo Mini von Vibia, mit der Antoni Arola die Grenze zwischen Beleuchtung und Raum auflöst. Das Modell ist Ausdruck von Leichtigkeit: Mehrere Schichten transluzenter Diffusoren trennen die LED-Lichtquelle vom Schirm und lenken das Licht auf dessen Oberfläche, statt es die Quelle umgeben zu lassen. Der entstehende Effekt wirkt fast traumhaft: Das Licht wird dekonstruiert und dadurch bewohnbar. Es umhüllt und begleitet den Weg zum Ende des Tages auf leise und feinsinnige Weise.

Im Schlafzimmer dieses vom Studio 5 Sólidos entworfenen Hauses, inspiriert vom japanischen Minimalismus, tritt die Lichtwirkung der Kollektion Flamingo Mini in einen Dialog mit Architektur, Materialität und der umgebenden Landschaft, um den gewünschten Rückzugscharakter zu erzeugen. Durch die Projektion des Lichts auf die Diffusoren – und die Betonung von Reflexion gegenüber direktem Glanz – entsteht Schatten, jene Halbdunkelheit, die den Raum weichzeichnet und für eine ausgewogene Atmosphäre sorgt. Beidseitig des Bettes platziert, beleuchten die Leuchten Beton und Holz mit Zurückhaltung und verstärken das Spiel der Texturen.

Flamingo Mini ist zugleich ein Ausdruck von Anpassungsfähigkeit und Respekt. Ihr kompaktes Design fügt sich harmonisch in die Proportionen des Raumes ein. Die modulare Anordnung der Diffusoren, die Variationen in Anzahl und Größe erlaubt, ermöglicht eine individuelle Abstimmung auf die Bedürfnisse der Bewohner. Ihre Präsenz ist elegant, mit einem Hauch von Geheimnis, der dazu einlädt, sich auf das eigene Innere zu konzentrieren. Die ausgewogene Silhouette, entstanden aus dem Zusammenspiel klarer horizontaler Ebenen und feiner vertikaler Linien, überträgt dieses Gefühl von Balance in den Raum.

Im Verlauf des Tages begleitet ihr diffuses Licht unterschiedliche Momente und Rhythmen und stimmt sich auf das natürliche Licht ab, das durch die große Fensterfront des von 5 Sólidos entworfenen Schlafzimmers einfällt – ein Blick in die wilde Natur, die dieses Wohnhaus am Rand von Medellín umgibt. Während der Tagesstunden sorgt sie für eine gleichmäßige Allgemeinbeleuchtung, die mit dem Schwinden des Tageslichts in eine zurückhaltende, gezielt ausgerichtete Lichtwirkung übergeht, um den Übergang in die Nacht zu begleiten. So wird die Leuchte zu einer natürlichen Erweiterung der Architektur. Eine stille Präsenz, die im gleichen Rhythmus atmet wie der Raum und seine Bewohner.

In einem so persönlichen Raum wie dem Schlafzimmer gibt die Lichtwirkung der Flamingo Mini den Rhythmus der Erholung vor. Sie umhüllt den Raum mit warmer Stille, die dazu einlädt, das Tempo zu verlangsamen und die Gedanken schweifen zu lassen, und verwandelt das Zubettgehen in einen Augenblick des Wohlbefindens. Dies gelingt, weil sich die Leuchte – ganz im Sinne einer sorgfältig gestalteten Beleuchtung – im Bereich der Subtilität und der Feinheit bewegt. Sie verbindet uns mit der ursprünglichen Lichtquelle, dem Feuer, und zugleich mit einer eleganten Lichtpoesie. Durch das Design von Antoni Arola wird das Licht dekonstruiert – und mit ihm lösen auch wir uns, lassen den Tag hinter uns, treten ein in die Welt der Träume und fühlen uns geborgen, im eigenen Schlafzimmer.

Credits:
– Project by 5 Sólidos
– Fotografie by 5 Sólidos

Wir sprechen mit dem britischen Designer über seinen kreativen Prozess und seine Interessen, jenseits von Beleuchtung und Architektur.

Umut Yamac ist vor allem für seine Leuchten bekannt, sie gehen über die Funktionalität hinaus; es sind wahre Lichtskulpturen, Werke, die einen sehr architektonischen und präzisen Ansatz mit einer sehr viel poetischeren, künstlerischen und feinfühligen Seite verbinden. Ein Beispiel dafür ist die Pendelleuchtenkollektion Array, die erste Zusammenarbeit mit Vibia, die das Licht zu umhüllen scheint. Die Leuchten bestehen aus feinen, handgewebten Fäden, die zwischen zwei Aluminiumringen gespannt sind. Die Serie verbindet eine weiche, abwärts gerichtete Beleuchtung mit einem Lichtschein nach oben. So entstehen subtile und leichte Leuchten, die trotzdem spektakulär und vielseitig sind, schöne schwebende Volumina mit konischen oder zylindrischen Formen. Wir sprechen mit dem Designer darüber, wie er arbeitet, über seine Erinnerungen, seine Leidenschaften, seine Interessen. Mit diesem Leitfaden lädt Yamac uns ein, Orte, Gegenstände und Erlebnisse zu entdecken, die seine Kreativität inspirieren.

Umut hat zwei große Leidenschaften: Natur und das Reisen. Keine davon ist an einen konkreten Ort oder ein Reiseziel gebunden; beide kommen in seiner Arbeit zum Ausdruck und sind seine größten Inspirationsquellen. „Ich verbringe einen guten Teil des Tages damit, mit meinem Hund in den Feuchtgebieten beim Büro spazieren zu gehen, und das, bei jedem Wetter. Ich genieße diese unfreiwilligen Pausen im Arbeitstag und ich habe festgestellt, dass diese echte Präsenz, dieser Aufenthalt in der freien Natur, manchmal dabei hilft, eine vage Idee zu festigen, greifbarer zu machen, oder sogar die Lösung für eine Herausforderung erkennbar zu machen”, versichert er. Auch das Reisen empfindet er als sehr bereichernd: Sich in einem anderen Umfeld zu bewegen, in dem man nicht mit den Menschen, der Sprache und der Umgebung vertraut ist. „Das Alltägliche und meine Komfortzone zu verlassen, macht mich aufmerksamer und empfänglicher für das Andere”.

„James Turrell ist vermutlich der Künstler, der mich am meisten beeinflusst hat. Ich habe seine Arbeit am Anfang meiner beruflichen Laufbahn kennengelernt. Seine Fähigkeit, Öffnungen und Lücken einzusetzen und zu meistern, geht über faszinierende physikalische Experimente hinaus: Sie zeigt auch die außerordentliche Macht des Lichts und lässt uns seinen Zauber spüren.“ Ganz besonders bewundert der Designer die Werke, die Turrell in seiner als Mendota bekannten Periode geschaffen hat: In den 1960er- Jahren hatte er das Hotel Mendota in Santa Mónica als Studio angemietet und mehrere Jahre lang mit dem Raum experimentiert, die Architektur und die Art verändert, wie er das Licht einfallen ließ.

„Ich bin stets auf der Suche nach Wärme und Tiefe, wenn ich Materialien und Texturen betrachte. Wärme im Sinne der Lichtqualität oder der Berührung, aber auch Vertrautheit. Und bei der Tiefe suche ich nicht nur physikalische, sondern auch konzeptuelle Tiefe und Schichtung. Zu den faszinierenden Eigenschaften des Lichts gehört seine Fähigkeit, Materialien zu durchdringen, ihnen Leuchtkraft und auch bildhauerische Qualitäten zu verleihen.“ Für Yamac ist Kunst ein grundlegender Bestandteil des Designs; er schafft Produkte, die den Schwerpunkt auf die Wechselwirkung zwischen Nutzer und Objekt legen. Mit viel Liebe zum Detail und zu den Empfindungen erkundet er mit seiner Arbeit Konzepte wie Spannung, Farbgebung, Volumen, Bewegung usw.

Yamac entdeckt neue Künstler, wenn er Radio hört („insbesondere den Sender BBC 6 Music und die Programme von Gilles Peterson, Iggy Pop, Guy Garvey und Lauren Laverne“) und, wie es sich für einen wahren Liebhaber der Melancholie gehört, kehrt er immer wieder zu Nick Cave und PJ Harvey zurück. „Dieses Gefühl ist für mich besonders hilfreich beim Herstellungsprozess von Komponenten oder Prototypen. Das heißt nicht, dass gelegentlich nicht auch ein bisschen Sabrina Carpenter mit dabei sein darf!”, lacht er.

Das Southbank Centre von London ist seit seiner Jugend ein wichtiger Bestandteil seines Lebens. Alles begann mit dem Skaten, als die Skater in den 1970er-Jahren die unterirdischen Räume des Centers eroberten. „Als Student begann ich, die anderen Bereiche des Centers zu erkunden: das Kino, das Einkaufszentrum, das Theater und den Konzertsaal. Neben der unglaublichen Lage an der Themse sind es für mich insbesondere die Offenheit und die Integration, die das Wesen von London widerspiegeln“, erläutert er.

Umut Yamac ist ein großer Fan der asiatischen und der scharfen mexikanischen Küche, aber ganz besonders schätzt er das indonesische Essen, weil es schöne Erinnerungen an seine Kindheit im Norden von London mit Freunden und Familienmitgliedern weckt.

Er sammelt Bücher und auch kleine Balance-Figuren oder mechanische Spielzeuge. Vorzugsweise Spielzeuge aus Holz oder Metall, die in die Hosentasche passen. „Ihre Funktion beruht auf physikalischen Grundsätzen, aber auf eine Weise, die dem, der sie berühren kann, Freude bereitet. Und das strebe ich mit meinen Designs auch an“, sagt er. Tatsächlich kombiniert er in seiner Arbeit Kunst, Technik und Erzählung, und das Ergebnis sind Schöpfungen, die ebenso funktional wie emotional sind und einen gewissen spielerischen Charakter besitzen.

„Ich glaube, dass Freundlichkeit und Aufrichtigkeit häufig vergessen oder unterschätzt werden, und für eine erfolgreiche Zusammenarbeit sind sie nun einmal sehr wichtig. Außerdem braucht es eine unglaubliche Konzentrationsfähigkeit und viel Liebe zum Detail, um jemanden in mein Büro aufzunehmen“, schließt er.

Es sind die kleinen Dinge, ein täglicher Spaziergang, Musik hören oder Balancespielzeug sammeln, die die Aufmerksamkeit von Umut Yamac wecken und die auch seine besondere Sichtweise des Designs definieren: zugänglich, experimentierfreudig und mit einem Hauch Poesie. Das Einfache und Alltägliche nähren seine Schöpfung und seine besondere Feinfühligkeit, und daraus lässt er dann nicht einfach nur Lichtquellen entstehen, sondern Kunstwerke.

Jeder Vorsatz spiegelt die Haltung von Motivation und Begeisterung wider, die beste Version seiner oder ihrer selbst zu erreichen – als Mensch und als Teil des Vibia-Teams. Die gemeinsamen Ziele, weiter zu lernen und sich für jedes neue berufliche Projekt zu begeistern, sind ebenso wichtig wie die Suche nach persönlichen Momenten, die im Alltag guttun. In der Balance liegt die Motivation; in der Vorfreude auf ein neues Jahr der Wunsch, glücklich zu sein.

Wir können 2025 nicht abschließen, ohne die meistgelesenen Artikel und die besonderen Augenblicke mit Vibia noch einmal zu würdigen, die wir in unserem Blog The Edit veröffentlicht haben. Dort teilen wir mit Ihnen alles rund um die Marke – mit Geschichten, die das Licht aus unterschiedlichen Perspektiven erkunden: neue Kollektionen, Beleuchtungslösungen, echte Projekte, Firmenevents, Inhalte, die zum Nachdenken anregen, und mehr.

Wir sind bestrebt, die Lebensqualität der Menschen zu verbessern, indem wir einzigartige Atmosphären schaffen, Komfort fördern und Design, Technologie und Licht miteinander verbinden, damit alle davon profitieren können. In den verschiedenen Kategorien von The Edit zeigen wir, wie wir das tatsächlich umsetzen.

Aus allen im Jahr veröffentlichten Artikeln nehmen wir als Fazit den jeweils meistgelesenen Artikel jeder Kategorie sowie die bedeutendsten Augenblicke, in denen Licht von Vibia kulturelle und künstlerische Erlebnisse geprägt und die Verbindung zu Kreativität und visuellem Ausdruck in ganz unterschiedlichen und inspirierenden Kontexten verstärkt hat.

Auf der diesjährigen internationalen Messe Euroluce, in Mailand, materialisierte Vibia das Konzept Shaping Atmospheres mit einer von Francesc Rifé entworfenen sinnlichen Inszenierung: Der Besucher erlebte eine Atmosphäre, in der das Licht zeigte, wie Emotionen entstehen, wie es den Raum verwandelt und unzählige Anpassungsmöglichkeiten bieten kann.

Für die Renovierung der Büros des italienischen multidisziplinären Designstudios Il Magma spielte die Beleuchtung eine zentrale Rolle. Die unendlichen Einsatzmöglichkeiten der Kollektion Plusminus machten sie zur idealen Wahl für die Neugestaltung des gemeinsamen und vielseitigen Arbeitsbereichs, dessen funktionale und ästhetische Anforderungen eine derart kreative und maßgeschneiderte Beleuchtung erforderte.

Die von Martín Azúa entworfene Kollektion Bind zeigt exemplarisch eine Leuchte mit einer gestalterischen Freiheit, die jedem Projekt mit anpassungsfähigen und dynamischen Räumen gerecht wird. Die Kombination aus Akzent- und Diffusbeleuchtung, verbunden mit der Schaffung horizontaler Ebenen in verschiedenen Höhen, erzeugt sehr attraktive Lichteffekte und ästhetische Wirkungen.

Zu den nachdenklichsten Inhalten des Blogs gehören natürlich diejenigen, die sich mit der Bedeutung des Lichts beschäftigen, insbesondere in den Wintermonaten. Der Rhythmus verlangsamt sich, die Tage werden kürzer und die Innenräume, intimer; das erfordert eine Neugestaltung der Beleuchtung im Alltag, um ein gemütlicheres und wärmeres körperliches und emotionales Wohlbefinden zu schaffen.

Die Beteiligung am italienischen Pavillon auf der Biennale in Venedig war für Vibia einer der wichtigsten Augenblicke 2025. In dem historischen Gebäude Tese delle Vergini aus dem 16. Jahrhundert betonten die Leuchten die architektonische Essenz und begleiteten gleichzeitig die Besucher auf ihrem Rundgang durch die Ausstellung mit einem markanten Hell-Dunkel-Spiel und einem theaterhaften Effekt voller Emotionen.

Um mit einer Leuchte wie Array Musik, Architektur und Emotionen verbinden zu können, bedarf es einer Sprache, die keine Worte braucht. Ein Gefühl, das die Besucher der Konzerte des Pianisten Hugo Oliveira im Coletivo 284 in Lissabon erleben konnten, als Zuschauer einer einzigartigen poetischen und einhüllenden Atmosphäre.

Alle diese Inhalte zeigen, wie Licht unser Wohlbefinden aufnimmt, es gestaltet und sich damit verbindet – ob im Büro, bei einem Konzert, in einer Ausstellung oder im Alltag zu Hause. Dieses Begleiten möchten wir von The Edit fördern, mit unseren Artikeln, die inspirieren und Ihre Räume durch Beleuchtung verwandeln können.

Jede Jahreszeit beeinflusst unsere Gewohnheiten, und natürliches Licht, das den zirkadianen Rhythmus des Tages verfolgt, spielt dabei eine wesentliche Rolle. In diesem sinnlichen Ablauf synchronisieren sich Körper und Geist mit der Umgebung und erzeugen physisches und emotionales Wohlbefinden. Mit dem Herbst werden die Tage kürzer und die Nächte länger; der Mangel an natürlichem Licht lädt zu einem introspektiveren Leben ein, das sich nach innen richtet. Das erfordert eine neue Lichtgestaltung – und damit eine andere Art, alltägliche Momente zu erleben.

Architektur und Design begleiten diesen Übergang, der einerseits die Suche nach persönlichen Rückzugsorten symbolisiert und andererseits ein Innehalten in einem langsameren, anderen Rhythmus. Hier zeigt sich die Kraft des Lichts in der Intimität, das Wärme schenkt, im Kontrast zur Kälte draußen steht und jedes Ritual umarmt – für ein neues Gefühl von Geborgenheit und Wohlbefinden.

Ein Buch in der Abenddämmerung öffnen, einen Tee zubereiten, sich auf dem Sofa entspannen oder sich zum Gespräch am Tisch versammeln – diese kleinen Alltagsgesten verwandeln sich und werden von einem weichen, vertrauten Licht begleitet, das nicht nur beleuchtet, sondern auch begleitet.

Diese Räume des Hauses werden nun zu zeitlosen Rückzugsorten, die Erinnerungen freisetzen und das Licht als Hüter der Erinnerung zeigen. Leuchten werden zu wahren Objekten der Begierde, um die sich die Empfindungen drehen, die der Herbst offenbart. Komfort und Wohlbefinden werden mehr denn je im Inneren gesucht – und das Licht ist das einzige, das helfen kann, sie zu finden… und zu genießen.

Kollektionen wie Knit, entworfen von Meike Harde, mit ihrer magnetischen Textur, fördern das Vergnügen, die Wärme des Lichts zu spüren und sie in der Nähe zu halten. Ihr weiches, durch einen transluzenten Diffusor gefiltertes Licht lädt zur Intimität ein. Die ruhige Präsenz ihrer Pendel-, Steh- und Tischversionen hüllt den Raum ein und verwandelt ihn in einen wahren Ort des Wohlbefindens.

Die Kollektion Plusminus, in ihren Kugel- und Kegelausführungen, bietet warmes, diffuses 360°- oder gerichtetes Licht – ideal für Wohnräume, in denen sich das Leben in den kälteren Monaten abspielt.

Entworfen von Diez Office, bietet sie zudem außergewöhnliche Vielseitigkeit bei der Komposition und Befestigung der Leuchten, um sie an jedes Projekt anzupassen.

Die Kollektion Skan, entworfen von Lievore Altherr Molina, steht für zeitloses Design. Ihre eleganten Linien definieren die Leichtigkeit des Lichts neu.

Ihre warme Projektion auf Oberflächen wirkt wie ein sanftes Lichtbad und verleiht der Atmosphäre eine intime, reine Sensibilität.

In dieser Jahreszeit übernehmen alltägliche Objekte wie Leuchten eine Rolle, die über das Beleuchten hinausgeht – sie begleiten und werden zu Zeugen neuer Rituale. Momente der Stille und Intimität, die uns mit dem Wesentlichen verbinden und sich umso intensiver genießen lassen – ohne Eile, ohne Lärm, aber stets in der leuchtenden Schönheit dieser Kollektionen.

Empfohlene Produkte:
– Knit
– Plusminus
– Skan

Für Martín Azúa sind Ästhetik und Funktion eng miteinander verbunden, und im Design vermeidet er alles, was nicht mit der Funktion zusammenhängt. Mit Bind sollte eine Kollektion entstehen, die sich in den Hintergrund einfügt und eine effektive, intuitive Beleuchtung sichert, ohne zu viel Aufmerksamkeit auf sich zu ziehen.

Die von Vibia als „Atmosphere Creator“ bezeichnete Kollektion bietet völlige Gestaltungsfreiheit und kombiniert akzentuiertes und diffuses Licht, um nuancierte Atmosphären zu schaffen. Diese Hybride aus technischer und dekorativer Beleuchtung verfügt über Deckenflächen- und Pendelschienenbeleuchtung mit einer leitfähigen Schiene als zentralem Element, an das mehrere Leuchten angeschlossen werden können. Frei positionierbare und in verschiedene Richtungen orientierbare Leuchten werden zu Instrumenten, die den Blick lenken und Aktivitätsbereiche definieren.

Während des Designprozesses wurde das System um mehrere hängende Elemente erweitert, darunter die Pendelleuchtenkollektionen Skan, Slim, North, Tempo und Tube von Vibia. Mit der Option Tunable White kann der Designer das perfekte Ambiente bis ins kleinste Detail gestalten.

Bind geht über das Konzept einer herkömmlichen Leuchte hinaus und schafft eine umfassende Beleuchtungsstrategie: Ein technisches System, das sich an die sich wandelnden Bedürfnisse des Benutzers anpasst und komplexe Beleuchtungsanforderungen auf einfachste Weise löst. Licht ist nicht mehr nur ein statisches Element, sondern ein sich entwickelndes Instrument, das unserem Tagesrhythmus folgt.

Wie Vibia ist auch Azúa davon überzeugt, dass die Qualität des Lichts in direktem Zusammenhang mit der Qualität unserer Räume steht. Von intimen Ecken bis hin zu dynamischen Räumen – Bind gestattet dem Designer die Ausgestaltung von Szenen, die den Nutzer auf emotionaler Ebene ansprechen und ein Gefühl von Komfort und Wohlbefinden garantieren, ganz gleich zu welchem Anlass.

Mit seinen diffusen, akzentuierenden und reflektierenden Lichteffekten bietet Circus völlige Freiheit bei der Gestaltung, schafft visuelle Hierarchien und verleiht den Räumen eine nuancierte und immersive Beleuchtung. Diese von Antoni Arola entworfene Kollektion verkörpert einen neuen ganzheitlichen Ansatz in der Lichtplanung.

Circus ist das Ergebnis eines sorgfältigen Prozesses, der von einem klar definierten Ziel geleitet wurde: Die Schaffung eines modularen, hoch anpassungsfähigen Beleuchtungssystems, das ganzheitliche Lösungen bereitstellt, die selbst den schwierigsten Beleuchtungsanforderungen gerecht werden. Was bietet Ihnen diese einzigartige Kollektion? Ein breites Spektrum an Beleuchtungsanwendungen, von der Allgemeinbeleuchtung bis hin zur fokussierten, akzentuierten und organischen Beleuchtung.

Eine einfache Lichtschiene als Kernelement ermöglicht das freie Anbringen und Positionieren der Leuchten an verschiedenen Punkten. Ursprünglich war die leitfähige Struktur komplexer, doch nach und nach wurde sie vereinfacht, um den Grundprinzipien des Projekts gerecht zu werden: Ein schwebendes Element, das ein Gefühl von Leichtigkeit und Bewegung vermittelt. So entstanden die Schienen, Drahtseile und hängenden Elemente dieses von Trapezkünstlern inspirierten Designs.

Diese Kollektion zeichnet sich durch ihre Vielseitigkeit aus. Arola hat Circus wie eine Lichtpartitur konzipiert; ein System, in dem die einzelnen Elemente wie Musiknoten fungieren und dem Nutzer die Möglichkeit geben, seine eigene Lichtatmosphäre zu komponieren. Dieses Beleuchtungssystem wurde nicht für eine bestimmte Umgebung konzipiert, sondern passt sich jeder Architektur, jeder Nutzung und jeder Stimmung an. Durch die Kombination einiger Elementen können Designer fast unendliche Lichteffekte schaffen.

Die Kollektion umfasst verschiedene Elemente, die unterschiedliche Lichteffekte erzeugen: Kleine Strahler sorgen für direktes Licht, reflektierende Scheiben für indirektes reflektiertes Licht, Pendelstrahler für näheres direktes Licht, kugelförmige Diffusoren für diffuses Licht und konische Schirme für gerichtetes Licht. Durch das Zusammenspiel der verschiedenen Lichtquellen und -effekte werden Tiefe, visuelle Hierarchien und dynamische Kompositionen geschaffen, mit denen Designer einzigartige Atmosphären gestalten können. Um die Dynamik zwischen natürlichem und künstlichem Licht deutlich zu verstärken, setzt Arola in Circus auch farbiges Licht ein.

Circus basiert auf der Überzeugung, dass die Qualität des Lichts einen direkten Einfluss auf unser Wohlbefinden hat. Traditionell wurden technisches und dekoratives Licht in der Beleuchtungsplanung getrennt voneinander behandelt. Circus verschmilzt sie auf natürliche Weise und verkörpert so einen neuen ganzheitlichen Ansatz. Dieses flexible und anpassbare Beleuchtungssystem ist als Basiskollektion konzipiert, um weitere Elemente zu unterstützen, sobald sich die Kultur des Lichts weiterentwickelt.

Ein stabiler und nachhaltiger Beitrag zum Unternehmenswachstum und zur Entwicklung wurde als eines der wichtigsten Ziele für 2025 identifiziert. Das Team betonte die Notwendigkeit, die Vibia-Marke nach der Einführung des neuesten Gesamtkatalogs weiter zu festigen und bevorstehende Herausforderungen sowie Chancen mit Enthusiasmus, Empathie und Engagement anzunehmen.

Persönliches und berufliches Wachstum stand im Mittelpunkt und wurde mit Vibias zentralen strategischen Säulen in Einklang gebracht: Nutzererlebnis, kundenorientiertes Geschäft und Wohlbefinden. Durch Investitionen in Wissen, Fähigkeiten und Innovation bekräftigt das Team sein Engagement, in einer sich schnell entwickelnden Branche vorauszubleiben, und so wird gleichzeitig ein florierendes Umfeld für Kunden und Belegschaft geschaffen.

Die Bedeutung von Kreativität und Innovation steht weiterhin im Mittelpunkt von Vibias Arbeit für 2025. Mit dem Engagement, neue Ideen zu erkunden und vielfältige Perspektiven zu integrieren, liegt der Fokus darauf, Möglichkeiten zu schaffen, in denen Innovation gedeihen kann. Dies trägt dazu bei, bessere Ergebnisse für Kundinnen und Kunden zu erzielen und schöne Atmosphären zu schaffen, die das Wohlbefinden und die Lebensqualität verbessern. Ein zentraler Punkt, den die Mitarbeiterinnen und Mitarbeiter hervorgehoben haben, war das Ziel, Technologie mit geschäftlichen Prioritäten zu verbinden und das bereichsübergreifende Wissen und Verständnis über digitale Tools zu verbessern.

Mit Blick auf 2025 bleibt Nachhaltigkeit ein zentrales Anliegen von Vibia. Durch die Integration nachhaltiger Praktiken, energieeffizienter Technologien sowie innovativer Design- und Fertigungsprozesse will unser Team Beleuchtungslösungen schaffen, die sowohl funktional als auch umweltfreundlich sind.

Abschließend betonten Teams im gesamten Unternehmen, wie wichtig eine verstärkte abteilungsübergreifenden Zusammenarbeit ist, um den Herausforderungen des kommenden Jahres zu begegnen. Durch die Förderung einer klareren und offeneren Kommunikation – sowohl innerhalb des Unternehmens als auch mit externen Partnern – möchte Vibia Partnerschaften stärken und effektivere Teamarbeit ermöglichen.

Viele der Fachkräfte betonten den Wert, die vielfältigen Talente innerhalb der Organisation zu erkennen und zu nutzen. Durch den Austausch von Herausforderungen und Lösungen im Team und die Offenheit für unterschiedliche Perspektiven werden Vibias Mitarbeiterinnen und Mitarbeiter besser in der Lage sein, sich anzupassen und in der Zukunft erfolgreich zu sein.