Pro nació del deseo de reinventar el proyector tradicional como una herramienta arquitectónica de iluminación. Los diseñadores se propusieron trasladar la funcionalidad de un proyector técnico a un diseño más sencillo y unificado, capaz de integrarse con naturalidad en cualquier entorno arquitectónico. Para lograrlo, fue necesario reducir el diseño a sus componentes esenciales.

Para ello, desarrollaron un mecanismo oculto que integraba los elementos técnicos del proyector en una expresión escultórica y, al mismo tiempo, discreta. El resultado es una colección técnicamente refinada que mantiene la pureza visual de una luminaria esencial. Se integra con naturalidad en cualquier interior sin competir con su arquitectura, permitiendo que la propia luz sea la protagonista.

Al integrar una amplia variedad de prestaciones técnicas, Pro permite a los profesionales crear diferentes escenas de acuerdo con su visión creativa. Adecuada para interiores residenciales, galerías y grandes espacios públicos, ofrece desde una iluminación de acento precisa hasta una iluminación ambiental suave, manteniendo siempre una presencia arquitectónica discreta y contenida.

A lo largo del proceso, los diseñadores buscaron destilar la complejidad de un producto altamente técnico hasta convertirlo en algo intuitivo, pero también lúdico. Desde el primer boceto, la colección fue concebida como dos cilindros conectados a través del contraste entre sus geometrías cóncava y convexa.

Alcanzar esta aparente simplicidad requirió múltiples rondas de prototipado, la experimentación con distintas proporciones y una estrecha colaboración con el equipo de I+D de Vibia para ocultar la mecánica que hace posible el movimiento.

Finalmente, los diseñadores vieron una oportunidad en incorporar una versión stand-alone como una forma de introducir luz direccional desde abajo y crear otro tipo de tensión o atmósfera en el espacio, manteniendo al mismo tiempo el lenguaje de diseño discreto de la colección.

Pro fue concebida como una colección lúdica, precisa y minimalista. Reducida a tan solo dos componentes esenciales, sin soportes ni articulaciones visibles, su movimiento aporta carácter y un cierto misterio, mientras que la complejidad de sus prestaciones técnicas ocultas permite ofrecer un rendimiento y una precisión excepcionales, convirtiéndola en una herramienta arquitectónica esencial.

La primera vez que Iwasaki tuvo en sus manos una muestra del material que daría forma a la pantalla fue consciente de que, desarrollándolo a mayor escala, sus exclusivas cualidades permitirían crear una luminaria de exterior nunca antes vista.

La malla tejida —firme y flexible, a partes iguales— originó el diseño. Suavemente elástica, cede ligeramente al tacto y recupera su forma original con facilidad. Gracias a estas propiedades, el material resulta tan adecuado para uso en interiores como en exteriores.

Las creaciones que llevan la firma de Iwasaki se caracterizan por una estética atemporal, basada en líneas puras y proporciones equilibradas. Closer es una muestra más de este planteamiento: cada pantalla se confecciona artesanalmente y se teje con precisión para garantizar una textura uniforme y unas formas sencillas y perfectamente definidas.

Closer es una colección especialmente innovadora porque la pantalla no necesita estructura rígida para sostenerse. Su volumen curvado autoportante es el resultado de una intensa experimentación con un claro objetivo: alcanzar la máxima simplicidad y ligereza visual. Integrada en la parte superior de la pantalla, la fuente de luz queda contenida en el interior, sin ser visible ni interferir en la pureza del diseño.

Al prescindir de estructura interna, el mismo tejido translúcido define la presencia de la luminaria, filtrando cuidadosamente la luz para generar un efecto luminoso sutil y vibrante. Los volúmenes textiles, que parecen flotar por influjo de una luz cálida y tamizada, difunden un delicado halo hacia abajo.

Sin estar encendida, Closer sigue aportando profundidad visual y una presencia tridimensional al espacio. Los diseñadores pueden elegir entre tres formatos de pantalla, en distintos tamaños. Mientras que la elegante selección de tonos —terracota, beige y verde— aporta sutiles matices a la luz, el ribete perimetral negro define cada volumen con mayor precisión.

La filosofía de trabajo de Iwasaki combina sencillez, funcionalidad y emoción. Considera que un buen diseño debe ser intuitivo, mejorar la experiencia del usuario e integrarse naturalmente en la vida cotidiana. Por su versatilidad, Closer se incorpora fácilmente en todo tipo de entornos, residenciales y contract, respondiendo a las variaciones lumínicas de los distintos momentos del día.

Concebidas para trasladar al exterior el confort de la iluminación interior, las versiones de pie y sobremesa son portátiles, inalámbricas y recargables por inducción a través de una elegante base. Gracias a la delicadeza de sus líneas y a la versatilidad de sus versiones y acabados, la colección Closer se adapta naturalmente a terrazas, salones, jardines y dormitorios, haciendo que cada momento sea especial.

La luz acompaña el paso del tiempo, influye en nuestro estado de ánimo y moldea nuestras emociones. A partir de este principio, Closer no es únicamente una luminaria; es una experiencia: una presencia que eleva el bienestar y enriquece el día a día. Proporcionando una atmósfera equilibrada y delicada en múltiples contextos, la colección transita con fluidez entre el interior y el exterior, adaptándose con facilidad a cada momento del día.

¿Por qué leemos? Porque ensancha la mente, abre puertas a otras vidas y, al mismo tiempo, consigue que miremos con ojos distintos, renovados, la vida propia. Leemos para reconocernos en los otros y para afilar la empatía y porque de un buen libro –como de un buen viaje o un buen amor– uno nunca sale como entró. También leemos porque, en un mundo donde todo va cada vez más rápido, la lectura es una invitación a la pausa y a la concentración. Al ritual sosegado.

En verano el tiempo se ralentiza y es el momento perfecto para sumergirse en nuevas historias, ideas y formas de mirar. Para enriquecer con nuevas referencias nuestro imaginario de sensibilidades y retomar después el ritmo diario con ganas de que esas historias se cuelen en nuevos proyectos, en nuevas ilusiones. Nuestro equipo tiene claro qué libros los acompañarán durante los días lentos y las noches tranquilas. Entre ellos hay ensayos sobre diseño, pero también sobre la sociedad y las formas de consumo, sobre cómo vivir, novelas en las que el paisaje es un personaje más, colecciones de cuentos… Esta selección es una prueba de la necesidad de nutrirse con referencias diversas porque nunca se sabe cuál prenderá la chispa de la inspiración.

Nexum nació como una forma de conectar distintas áreas dentro de nuestro entorno habitable. Levy redefine el concepto de chandelier desde una lógica arquitectónica. En lugar de concebir la luminaria como un punto central o un objeto decorativo, la articula mediante una estructura modular que se despliega horizontal y verticalmente a través del espacio.

Las líneas geométricas se extienden y se entrecruzan, introduciendo orden, ritmo y proporción. A medida que la composición se desarrolla, define recorridos y establece jerarquías espaciales, favoreciendo la fluidez y adaptándose a diferentes necesidades. Nunca se impone, acompaña la arquitectura.

Según Levy, la modularidad se refiere únicamente a la conexión entre elementos similares, mientras que la flexibilidad es la capacidad de hacer muchas cosas distintas al mismo tiempo. Nexum puede configurarse en diversas geometrías —Lineal, Rectangular, Square y Volumetric— adaptándose a las proporciones de cada entorno sin perder coherencia formal.

Dentro de esta estructura, la luz se entiende como una herramienta para construir el espacio; un lenguaje capaz de generar percepción, modelar emociones y definir la experiencia espacial. Los puntos de luz se integran discretamente en la geometría de Nexum, formando parte del sistema sin interrumpir su continuidad.

Levy subraya la importancia de ofrecer una iluminación sutil y equilibrada que evite sombras y contrastes excesivos. Más que generar efectos gráficos, Nexum introduce profundidad y volumen.

La luz deja de concentrarse en un único punto para distribuirse de manera uniforme, creando atmósferas amplias, coherentes y confortables. La colección tiene la capacidad específica de generar un aura más que un efecto. Este enfoque permite iluminar desde una posición elevada, manteniendo una presencia sutil que se integra de forma natural en el espacio.

Disponible en versiones suspendidas y de techo, Nexum se adapta tanto a entornos residenciales como a grandes proyectos contract, manteniendo siempre una misma lógica: integrarse en la arquitectura y crear atmósferas equilibradas y conectadas.

En el atrio de un hotel o restaurante con grandes alturas, amplifica la sensación de presencia de quienes lo habitan. En espacios residenciales más contenidos, la versión de techo, de perfil ultrafino, proporciona una iluminación eficaz sin comprometer el espacio disponible. Instalada sobre una mesa, genera una atmósfera serena que favorece una relación íntima entre las personas y su entorno.

Nexum no es un objeto, sino un sistema. No invade el espacio; lo activa. Sea cual sea el contexto, su geometría lumínica conecta escenas, organiza los espacios y define entornos serenos y coherentes. La luz pasa a formar parte de la estructura espacial: una narrativa continua y armoniosa que fluye al ritmo de la vida cotidiana.

Los proyectos del arquitecto Pitsou Kedem son un reflejo de su manera de vivir: una búsqueda constante de la luz, el silencio, la materia. Desde su estudio, que fundó en el año 2000, explora una visión profunda y expresiva del minimalismo que se define por la riqueza de materiales, el respeto por el contexto y el anhelo de ordenar el caos. Sus edificios son una invitación a la pausa y un bálsamo sensorial. Hablamos con él y nos cuenta qué le conmueve, qué le inspira, qué principios guían su trabajo, qué rutinas articulan su vida. Descubrimos a través de su mirada — de fotógrafo y arquitecto— una forma de ver y de entender la luz como materia, como elemento que dibuja la realidad, que la dota de profundidad.

Pitsou Kedem nos cuenta cómo, desde que puso un pie en el monumento erigido por el escultor Danny Karavan en el desierto de Negev, todo cambió. En esa especie de escultura habitable hecha de hormigón, con geometrías que dibujan en su interior un juego de luces y sombras, nació su amor por la arquitectura.

En sus edificios, Pitsou concede espacio para que el material respire y, dentro de su cabeza, hace lo mismo con sus pensamientos. Por eso siempre lleva un libro en la mochila y cada día busca un hueco para sentarse en un café y sumergirse en la lectura. Esa inmersión en otras vidas le ayuda a desconectar, a limpiar la cabeza y afinar la atención.

El artista James Turrell y su manera de abordar la luz y el espacio le ayudaron a reconciliar dos facetas de sí mismo: la necesidad de orden y la búsqueda de calidez. El primer contacto con su obra fue en el Israel Museum, donde habita “Space that sees”, una escultura ambiental que se abre al cielo e invita a la contemplación meditativa del movimiento de las nubes y luz que atraviesa y baña el espacio. En sus proyectos busca recrear esa contención material y formal que deja hueco a la emoción y el pensamiento.

Lo mismo que sintió al contemplar esa obra de Turrell lo siente cada vez que acude a su mayor fuente de inspiración: la naturaleza. Escalando en los fiordos noruegos, el silencio permite que sus pensamientos divaguen, que la luz “pinte sobre el lienzo en blanco que es el paisaje”. De vuelta en el estudio, vierte esa sensación encapsulada en los espacios, los diseña para que no se impongan, para que dejen expresarse a quienes los habitan.

Una convicción guía su trabajo: La luz es a un espacio lo que la materia prima a una estructura. Se utiliza para construir, para dar forma. Desde el estudio, afrontan cada edificio como una oportunidad para dejar que la luz penetre y aporte significado, avive las texturas, resalte los volúmenes. Para él, la arquitectura es “la experiencia humana en el espacio” y la luz es su aliada para enriquecerla. Por eso considera que la escena de la película The Brutalist en la que el arquitecto protagonista muestra con una linterna cómo incidirá la luz en el edificio condensa en un minuto sus 25 años de carrera.

Su lenguaje está hecho de dicotomías, de tensiones, de equilibrios bien resueltos. Sabe que sin oscuridad no podemos conocer la luz, que solo cuando uno es consciente de que ambas existen la segunda se vuelve más preciosa. En el estudio, persiguen un minimalismo que no es neutro o frío; es emocionante, expresivo, enriquecido a través de ese contraste entre luz y sombra, entre colores y texturas. Si tuviese que elegir un solo consejo que darle a un joven arquitecto: “Encuentra tu lenguaje y mantente fiel a él hasta el final. Aunque ahí fuera haya ruido. Aunque otros te digan que es extremo, que es exagerado. Cree en tu verdad arquitectónica”.

En una profesión a menudo dominada por el ego, Pitsou corre en la dirección contraria: busca trabajar con personas que ansíen compartir porque, para él, el trabajo en equipo es fundamental para despertar esa creatividad que nace del diálogo y de la mezcla. Igual que en un espacio, la emoción nace del diálogo entre luz y materia.

“No soy un arquitecto que también hace fotos; soy un fotógrafo que también construye”. Así se define Pitsou y esa forma de mirar el mundo –y la arquitectura– a través de la lente que fue el origen hoy sigue presente en su trabajo. Y no es solo la mirada, es todo el proceso, lo que precede y sucede al disparo. La espera a que lo que se mira sea expuesto: por la luz que incide sobre el edificio justo antes de capturarlo, por la que penetra en el negativo y lo plasma en él, por los químicos que imprimirán esa instantánea poco a poco en la habitación de revelado. Con la actitud del fotógrafo, dibuja el edificio: poco a poco, dejando que se muestre por sí mismo.

Hay una cierta poética en el regreso de la que la partida carece. Irse es emocionante, sí, pero desde la Odisea hasta El viaje de Chihiro, las grandes historias nos han enseñado que el anhelo más humano es el de volver a casa. Lo sabemos; lo sentimos después de cada jornada. Por eso es tan importante el buen diseño en ese espacio al que llamamos hogar. Arquitectura, materia e iluminación han de pensarse con cuidado para que nos sintamos, por fin, a refugio.

En el dormitorio, esta premisa adquiere todavía más relevancia. Es el único lugar donde la prisa tiene la entrada prohibida. En él nos abandonamos a la lectura, a la contemplación, al pensamiento y transitamos entre el día y la noche, el sueño y la vigilia, la actividad y el descanso. La luz es la guía en esa transición; la hace agradable. En todas las habitaciones de una casa, pero en esta especialmente, la iluminación bien diseñada trasciende la función y se ocupa de lo sensible: nos ayudará a bajar pulsaciones, a relajar los hombros, a dejarnos llevar con suavidad hacia el final del día hasta caer por fin en un sueño profundo.

Esa luz ha de ser cálida, etérea y envolvente, ha de fundirse con el ambiente sin imponerse. Ha de ser como la de la luminaria Flamingo Mini de Vibia, con la que su diseñador, Antoni Arola, consigue eliminar la barrera entre iluminación y espacio. El modelo es idóneo porque su creación es un ejercicio de ligereza. La fuente de luz LED se separa a través de múltiples capas de difusores traslúcidos, haciendo que ésta se proyecte sobre la pantalla en lugar de rodear la fuente. El efecto es onírico. La luz se deconstruye y, al deconstruirse, se habita. Envuelve y acompaña de un modo silencioso y delicado ese camino hacia el final del día.

En el dormitorio de esta casa proyectada por el estudio 5 Sólidos, inspirado en el minimalismo japonés, el gesto lumínico de la colección Flamingo Mini dialoga con la arquitectura, la materia y el paisaje exterior para conseguir ese efecto de santuario deseado. Al proyectar la luz sobre los difusores –demostrando el poder del reflejo frente al brillo–, permite la sombra, esa penumbra que suaviza el espacio, que aporta serenidad. Suspendidas a ambos lados de la cama, iluminan con sutileza el hormigón y la madera, enriquecen ese juego de texturas.

Flamingo Mini es, también, un ejercicio de adaptación y respeto. Su diseño compacto responde con armonía a las proporciones de la habitación y la condición modular de los difusores, que permite jugar con su cantidad y tamaño, hace que se adapte al gusto y deseo de quien habita la casa. Su presencia es elegante, con un punto de misterio perfecto para sumergirnos en nuestro mundo interior. Su silueta equilibrada, producto de una interacción grácil entre elegantes planos horizontales y finas líneas verticales, traslada a nuestro interior esa sensación de equilibrio.

A lo largo del día, su luz difusa acompaña los ritmos y momentos, acompasándose a la luz natural como la que entra por el gran ventanal del dormitorio diseñado por 5 Sólidos, un mirador a la naturaleza salvaje que rodea esta vivienda a las afueras de Medellín. Durante las horas de sol, aporta una iluminación general, que cambia a una más ambiental y enfocada a medida que este desaparece para dar paso a la noche. Así, esta luminaria actúa como una extensión natural de la arquitectura: una presencia silenciosa que respira al mismo ritmo que el espacio y sus habitantes.

En un espacio tan propio como el dormitorio, la luz de Flamingo Mini marca el pulso del descanso, nos envuelve en un silencio cálido, nos invita a reducir revoluciones, a dejar vagar el pensamiento: transforma la rutina de irse a dormir en una fuente de bienestar. Todo esto lo consigue porque, como corresponde a una iluminación cuidada, se mueve en el terreno de la sutileza, de la delicadeza. Nos conecta con la fuente de luz primitiva, el fuego, pero a la vez con la poesía más refinada. Gracias al diseño de Antoni Arola, la luz se deconstruye y, en consecuencia, nos dejamos deconstruir nosotros, vamos soltando cargas hasta entrar en el mundo de los sueños, nos sentimos a salvo, ahí, en nuestro dormitorio.

Créditos:
– Proyecto: 5 Sólidos
– Fotografía: 5 Sólidos

Hablamos con el diseñador británico sobre su proceso creativo y sus intereses, más allá de la iluminación y la arquitectura.

Umut Yamac es conocido sobre todo por sus luminarias, superando la funcionalidad, son auténticas esculturas de luz, piezas que mezclan un enfoque muy arquitectónico y preciso con otro lado más poético, artístico y delicado. Una muestra de ello es Array, una colección de luminarias colgantes para Vibia, la primera colaboración entre ambos, que parecen envolver la luz. Están compuestas por finos hilos tejidos a mano y tensados entre dos aros de aluminio. La serie combina una suave iluminación descendente con un reflejo ascendente. El resultado son lámparas sutiles y ligeras pero también espectaculares y versátiles, bellos volúmenes suspendidos en formas cónicas o cilíndricas. Hablamos con él sobre cómo trabaja, sus recuerdos, pasiones e intereses. Con esta guía, Yamac nos invita a conocer los lugares, objetos y experiencias que inspiran su creatividad.

Umut tiene dos grandes pasiones, que no son lugares o destinos concretos, sino la naturaleza y viajar. Ambas se reflejan en su trabajo y son su mayor fuente de inspiración. “Paso buena parte del día paseando a mi perro por las marismas cerca del estudio, haga el tiempo que haga. Disfruto de las pausas obligadas en la jornada laboral y he descubierto que estar realmente presente y al aire libre a veces permite que una idea de fondo se afiance y se solidifique, o incluso que surja la solución a un reto”, asegura. Viajar también le resulta muy gratificante; estar en un ambiente distinto, donde uno no está familiarizado con la gente, el idioma y el entorno. “Salir de lo cotidiano y de mi zona de confort me hace más observador y receptivo a lo diferente”.

“James Turrell es probablemente el artista que más me ha influido. Lo conocí al principio de mi carrera. Su capacidad para dirigir y controlar las aperturas y huecos no solo son fascinantes experimentos de física, sino que también demuestran el extraordinario poder de la luz y nos permiten apreciar su magia”. El diseñador sobre todo admira las obras que Turrell realizó durante lo que se conoce como su período Mendota, cuando alquiló en los 60 el Hotel Mendota en Santa Mónica como su estudio y durante varios años experimentó con el espacio, alterando su arquitectura y la forma en que permitía entrar la luz.

“Siempre busco calidez y profundidad al considerar materiales y texturas. Calidez en términos de calidad de luz, o tacto, pero también familiaridad. Y profundidad no solo física, sino también conceptual y estratificación. Una de las propiedades fascinantes de la luz es su capacidad de penetrar a través de los materiales, cargándolos de luminiscencia, pero también de cualidades escultóricas”. Yamac entiende el arte como parte fundamental del diseño y crea productos centrados en la interacción entre el usuario y el objeto, con mucha atención al detalle y a las sensaciones. Con su trabajo explora así conceptos como tensión, cromatismo, volumen, movimiento, etc.

Descubre a nuevos artistas escuchando la radio (“Sobre todo la emisora BBC 6 Music y los programas de Gilles Peterson, Iggy Pop, Guy Garvey y Lauren Laverne”) y, como buen amante de la melancolía, vuelve una y otra vez a Nick Cave y PJ Harvey. “Ese sentimiento me resulta especialmente útil durante el proceso de fabricación de componentes o prototipos. ¡Aunque esto no impide un poco de Sabrina Carpenter de vez en cuando!”, ríe.

El Southbank Centre de Londres ha sido una parte importante de su vida desde la adolescencia. Todo comenzó a través del skate, ya que sus espacios subterráneos fueron apropiados por skaters en los 70. “Como estudiante, comencé a explorar las otras partes del centro: el cine, la galería, el teatro y la sala de conciertos. Además de su increíble ubicación junto al Támesis, destacaría su apertura e inclusión, lo cual representa la esencia de Londres”, explica.

Es un gran fan de la comida asiática y de la mexicana picante, pero a Umut le gusta especialmente la indonesia, porque le trae muy buenos recuerdos de su infancia en el norte de Londres con amigos y familiares.

Colecciona libros y también pequeños juguetes de equilibrio o mecánicos. Le gustan de madera o metal y que quepan en el bolsillo. “Funcionan con los principios de la física, pero de una manera que infunde alegría a quien tiene el placer de tocarlos, algo a lo que aspiro en mis diseños”, dice. En efecto, su práctica combina arte, ingeniería y narración, dando como resultado creaciones que son a la vez funcionales y emocionales y con un cierto espíritu lúdico.

“Creo que la amabilidad y la franqueza a menudo se pasan por alto o se subestiman, y para colaborar con éxito son muy importantes. Además, una increíble concentración y atención al detalle son esenciales para incorporar a alguien en mi estudio”, concluye.

Son los pequeños gestos: un paseo diario, escuchar música o coleccionar juguetes de equilibrio, lo que atrae la atención de Umut Yamac y también lo que define su particular visión del diseño: cercana, experimental y con un punto de poesía. Lo simple y lo cotidiano alimentan su creación y su sensibilidad especial, con las que luego inventa no solo fuentes de luz, sino más bien obras de arte.

Cada propósito refleja la actitud de motivación e ilusión por lograr esa mejor versión de uno/a mismo/a, como persona y como parte del equipo de Vibia. Compartir los mismos objetivos de seguir aprendiendo y entusiasmarse con cada nuevo proyecto profesional, es importante, como lo es también buscar esos momentos particulares que te hacen sentir bien en tu tiempo libre. En el equilibrio, se encuentra la motivación; en la ilusión de un nuevo año, están las ganas de ser feliz.

No podíamos cerrar este año sin destacar los artículos más leídos y los momentos más especiales de Vibia que hemos ido publicando en nuestro blog The Edit, donde vamos compartiendo con vosotros todo lo que acontece entorno a la marca, a través de historias que exploran la luz desde distintas perspectivas: nuevas colecciones, soluciones de iluminación, proyectos reales, eventos corporativos, contenidos más reflexivos, etc.

Tomando como base nuestro objetivo de mejorar la vida de las personas a través de la creación de atmósferas únicas que fomenten el confort, combinando diseño, tecnología y luz para transformar los espacios donde vivimos, en las distintas categorías de The Edit mostramos cómo lo hacemos realidad.

Y de todos los artículos publicados, destacamos el más leído por categoría a modo de balance, así como los momentos más significativos para Vibia donde su luz ha protagonizado experiencias culturales y artísticas, reforzando su vínculo con la creatividad y la expresión visual en contextos de lo más variados y, a la vez, inspiradores.

En la edición de este año en Milán de Euroluce, Vibia materializó su concepto ‘Shaping Atmospheres’ en una puesta en escena sensorial diseñada por Francesc Rifé en la que el visitante se sintió envuelto en una atmósfera donde la luz demostró cómo es capaz de despertar los sentidos, transformar el espacio y ofrecer infinidad de soluciones flexibles.

La reforma de las oficinas del estudio de diseño multidisciplinar Il Magma, en Italia, centró su proyecto lumínico en la elección de la colección Plusminus. Teniendo en cuenta su particular versatilidad, resultó ideal para reinterpretar el nuevo espacio de trabajo, compartido y polivalente, con requisitos funcionales y estéticos que exigían una iluminación ‘ad hoc’ así de creativa.

Diseñada por Martín Azúa, la colección Bind es un ejemplo perfecto de luminaria que ofrece una libertad compositiva a la altura de cualquier proyecto que exija espacios adaptables y dinámicos. La combinación de iluminación de acento y difusa se alía con la creación de planos horizontales a diversas alturas para generar efectos luminosos y estéticos muy atractivos.

Dentro de los contenidos más reflexivos del blog, no pueden faltar aquellos que ponen en valor la función de la luz, especialmente en los meses invernales. El ritmo se vuelve más lento, los días más cortos y los espacios interiores más íntimos, de ahí la necesidad de un rediseño lumínico de los momentos cotidianos para generar un bienestar físico y emocional más acogedor y cálido.

Participar en el pabellón de Italia en la Biennale de Venecia ha sido uno de los momentos más relevantes de este 2025 para Vibia. En el histórico edificio de la Tese delle Vergini, del siglo XVI, las luminarias reforzaron la esencia arquitectónica acompañando, al mismo tiempo, el recorrido de la exposición con un marcado juego de claroscuros, de efecto teatral, cargado de sensaciones.

Conseguir que una luminaria como Array sea capaz de llegar a conectar música, arquitectura y emociones, solo se puede conseguir a través de un lenguaje que no necesita palabras. Una sensación que pudieron experimentar los asistentes a los conciertos del pianista Hugo Oliveira, en el espacio Coletivo 284, en Lisboa, espectadores de una atmósfera poética y envolvente única.

Todos estos contenidos demuestran que la luz abraza, da forma y conecta con nuestro bienestar, ya sea en una oficina, en un concierto, en una exposición o en el día a día de nuestro hogar. Ese acompañamiento es el que queremos seguir fomentando desde The Edit a través de nuestros artículos, capaces de inspirar y transformar vuestros espacios a través de la iluminación.

Cada época del año redefine nuestros hábitos y en ello influye mucho la luz natural, que sigue los ritmos circadianos a lo largo del día. Es en este recorrido sensorial donde el cuerpo y la mente se sincroniza con el entorno, generando un bienestar físico y emocional en la persona. Sucede que con la llegada del otoño, el día empieza a acortarse y las noches se perciben más largas, ante la falta de luz natural, invitando a una vida más introspectiva, que se desplaza hacia el interior de los espacios, lo que implica, a su vez, un rediseño lumínico y, con ello, una forma distinta de vivir los momentos cotidianos.

La arquitectura y el diseño acompañan este tránsito que, por un lado, representa un despliegue hacia la búsqueda de espacios como si de un refugio personal se trataran y, por otro, un repliegue del tiempo que ahora se vive más lento, a un ritmo distinto. Y es ahí donde entra en juego el poder de la luz en la intimidad, ofreciendo una calidez que contrasta con las bajas temperaturas exteriores y que busca abrazar cada uno de los rituales para acompañarlos en este nuevo bienestar, mucho más acogedor y confortable.

Abrir un libro al caer la tarde, preparar una infusión, relajarse en el sofá o sentarse alrededor de la mesa para conversar son esos pequeños gestos cotidianos que ahora se transforman y se viven con un ánimo distinto y, sobre todo, se iluminan de una suavidad más cómplice y cercana, que no solo ilumina, sino que también acompaña.

Son esos espacios de la casa que ahora se perciben como refugios del tiempo, dando rienda suelta a los recuerdos y permitiendo que la iluminación se presente como una guardiana de la memoria, haciendo que las luminarias se conviertan en auténticos objetos de deseo alrededor de las cuales se articulan las sensaciones que el otoño nos descubre. El confort y el bienestar se buscan más que nunca en el interior de los espacios y es la iluminación la única que puede ayudar a encontrarlos… y disfrutarlos.

Colecciones, como la Knit, diseñada por Meike Harde, con una textura de gran magnetismo, fomenta el placer de sentir el calor de la luz y mantenerlo cerca, suavizando su luminosidad gracias a un difusor translúcido que invita a disfrutar de la intimidad. La presencia serena de sus modelos colgante, de pie y de sobremesa envuelve la estancia para convertirla en un auténtico lugar de bienestar.

La colección Plusminus, en sus versiones de esfera y cono, propone una acogedora iluminación de difusión 360º y dirigida, respectivamente, ideales para esos espacios domésticos donde se articula la vida en estos meses más fríos.

Diseñada por Diez Office, además, ofrece una versatilidad única a la hora de componer y fijar las luminarias para adaptarse a las necesidades de cada proyecto.

Quien mejor representa el diseño atemporal es la colección Skan, diseñada por Lievore Altherr Molina, gracias a las líneas elegantes de su silueta que redefinen la simplicidad lumínica.

Destaca su proyección cálida que recae sobre las superficies, como si de un baño de luz se tratara, añadiendo una sensibilidad íntima y pura a la atmósfera.

Es en esta época del año donde objetos cotidianos, como las luminarias, adoptan una función que va más allá, en este caso, de iluminar los espacios de la casa, para pasar a acompañar y ser testigos de los nuevos rituales. Momentos de intimidad, silenciosos, que nos conectan con lo esencial y que se disfrutan mucho más, sin ruidos, sin prisas, pero siempre envueltos en la belleza lumínica de estas colecciones.

Productos destacados:
– Knit
– Plusminus
– Skan