Progettata da Palomba Serafini Associati, Alba si ispira alla delicatezza del sorgere del sole: quell’istante in cui la prima luce si insinua all’orizzonte, tiepida e ascendente.

La lampada è composta da due volumi essenziali che sembrano fondersi nel punto di contatto delle rispettive geometrie curve: una base circolare, lucida e arrotondata, e il diffusore che la sovrasta, cilindrico, traslucido e compatto, capace di emanare una luminosità tenue e accogliente. Questa transizione quasi impercettibile tra materia e luce definisce l’identità di Alba: una lampada percepita come un unico gesto continuo, una carezza visiva tra superfici tangenti.

Il diffusore emana una luce calda ed eterea che invita al raccoglimento. La base dalla curvatura ergonomica si adatta naturalmente al palmo della mano, facilitandone lo spostamento da un luogo all’altro. È disponibile in tre finiture — terracotta, beige e verde — con una lucentezza sottile ed elegante. Alba accompagna la vita quotidiana, muovendosi con noi per illuminare momenti che vanno da cene intime attorno al tavolo a spazi di relax, fino a istanti di quiete in qualsiasi ambiente, interno o esterno.

Sebbene concepita per interni, la sua natura portatile e senza fili consente anche un utilizzo occasionale all’aperto, come una delicata luce nomade che richiama la presenza di un moderno portacandela. L’autonomia wireless, la ricarica tramite USB-C e la leggerezza la rendono una soluzione pratica e versatile, ideale sia per la casa sia per ambienti hospitality.

Disponibile in una raffinata palette cromatica, Alba adotta le tonalità naturali tipiche di Vibia — terracotta, beige e verde. Ogni finitura esalta la morbidezza delle linee e il carattere tattile della lampada, conferendole sfumature diverse come oggetto decorativo.

Un interruttore a pressione, discretamente integrato nella base, consente di selezionare tre livelli di intensità luminosa, adattando l’atmosfera al momento e allo stato d’animo. In questo modo, la tecnologia si mette al servizio dell’ergonomia visiva, senza compromettere la purezza del design.

Con Alba, Vibia rafforza la propria visione della luce come elemento che accompagna: un oggetto che si muove con noi e che trasforma la quotidianità in un’esperienza di calma, vicinanza e bellezza essenziale.

A partire da questo archetipo, la collezione si costruisce attraverso una sovrapposizione di materiali. Un cilindro interno in vetro di quarzo ultra-trasparente avvolge la sorgente luminosa, mentre un diffusore in vetro laccato la filtra per trasformarla in atmosfera. La luce sembra nascere dall’interno e propagarsi naturalmente nello spazio, generando un’illuminazione duplice che coniuga con precisione diffusione e direzionalità.

Il vetro definisce il linguaggio di Asia. La superficie traslucida attenua la luce e crea un alone di calda serenità, mentre la struttura metallica costituisce una cornice sottile che accentua il contrasto tra materialità e leggerezza. Questo connubio consente alla lampada di dialogare con lo spazio senza imporsi, integrandosi con naturalezza in contesti diversi.

Disponibile nelle versioni a sospensione, da tavolo e da terra, Asia adatta la propria presenza a molteplici scenari: dalle configurazioni sospese che accompagnano l’architettura, fino ai punti luce ravvicinati che favoriscono un’illuminazione più intima e mirata. In tutte le varianti, la collezione mantiene la sua essenza: un’illuminazione sfumata, equilibrata e silenziosa.

Asia propone un equilibrio tra tradizione e contemporaneità, tra gesto essenziale e precisione tecnica. Una collezione pensata per accompagnare l’architettura attraverso una luce che non si limita a illuminare, ma definisce l’atmosfera con sottile eleganza.

Nella versione a soffitto o a sospensione, la collezione porta la luce a un livello superiore, dove la struttura organizza lo spazio con una lettura chiara e continua. Tale approccio trasforma la lampada in uno strumento capace di definire percorsi e gerarchie senza occupare volume, liberando il campo visivo e rafforzando la percezione architettonica.

Il design si articola a partire da una struttura continua che si sviluppa in orizzontale e in verticale. Le linee si incrociano e si estendono, dando vita a una geometria precisa che introduce ordine, ritmo e proporzione nello spazio. La composizione non si impone ma accompagna, integrandosi naturalmente nell’architettura e contribuendo a costruire lo spazio.

I punti luce si inseriscono in modo discreto all’interno della struttura, diventando parte del sistema senza interromperne la continuità. La tecnologia LED consente a luce e geometria di fondersi in un unico linguaggio, generando un’illuminazione uniforme, equilibrata e non abbagliante.

Nexum ridefinisce così il concetto di lampadario, sostituendo la centralità con una logica connettiva. La luce smette di concentrarsi in un unico punto per distribuirsi in modo omogeneo, creando atmosfere ampie, chiare e confortevoli. Questo approccio permette di illuminare dall’alto mantenendo efficacia luminosa e chiarezza spaziale, e favorendo una presenza leggera che si integra senza imporsi.

Più che un oggetto, Nexum è un sistema modulare capace di adattarsi a diverse configurazioni e scale. I suoi design rispondono a differenti geometrie — lineari, rettangolari, quadrate o tridimensionali — che permettono di adeguare la lampada alle proporzioni di un ambiente specifico senza perdere coerenza formale.

La collezione è disponibile nelle versioni a sospensione e a soffitto, entrambe pensate per offrire un’illuminazione precisa e controllata. La versione a sospensione può emettere luce diretta oppure una combinazione di luce diretta e indiretta che amplia la percezione dello spazio e conferisce profondità, mentre la versione a soffitto proietta la luce verso il basso in modo uniforme, garantendo comfort visivo.

La versatilità di Nexum la rende uno strumento flessibile per progetti contemporanei, dagli ambienti residenziali fino agli spazi contract di maggiore scala. In tutti gli usi, la collezione mantiene la stessa logica: accompagnare l’architettura, strutturare lo spazio e generare un’illuminazione equilibrata si integra senza imporsi.

Con Nexum la luce smette di essere un elemento aggiuntivo per diventare parte costitutiva della struttura spaziale: una geometria luminosa che connette, organizza e definisce, dando vita ad ambienti sereni, chiari e coerenti.

La collezione, progettata da Ichiro Iwasaki, nasce da un’idea semplice: liberare la forma affinché sia il tessuto — e la luce al suo interno — a definire la presenza della lampada. Per ottenere questa sensazione di leggerezza visiva, la sorgente luminosa è nascosta nella parte superiore del paralume, per evitare interferenze con la forma. Il risultato è un volume tessile semitrasparente, pervaso da una luce diffusa e calda, pensata per creare atmosfere accoglienti.

Closer si declina in tre formati di paralume, concepiti a partire da una rete leggera e semitrasparente: ogni schermo ha proporzioni diverse, più ampie o più slanciate, per offrire un repertorio di volumi che consente di comporre scenari luminosi su misura. I paralumi sono rifiniti con un bordo perimetrale nero che rafforza la definizione del volume e ne facilita l’integrazione nelle differenti versioni della lampada.

Ogni pezzo è realizzato singolarmente in modo artigianale: la rete intrecciata, resistente ma modellabile, è tessuta con attenzione ai dettagli per garantire una trama omogenea che filtri la luce senza perdere carattere. La scelta delle finiture riprende la palette Vibia nei toni polverosi del terracotta, del beige e del verde, pensati per conferire sfumature delicate all’illuminazione. Il risultato è una texture vivace, dotata di grande profondità tattile e visiva.

La collezione è disponibile in versione a sospensione o portatile (da terra o da tavolo).

La versione a sospensione può essere installata con cavo, il che permette una regolazione flessibile dell’altezza, oppure con un’asta metallica rigida disponibile in due lunghezze (106 e 150 cm), per una maggiore stabilità su soffitti inclinati o in esterni esposti al vento. Nella versione con cavo sono previste tre opzioni di installazione elettrica: superficie, incasso o remoto. Il fissaggio avviene tramite un rosone in alluminio progettato per integrarsi con discrezione nel soffitto. Queste opzioni permettono di creare composizioni a diverse altezze e istituire dialoghi di trasparenze nello spazio.

La versione da terra e da tavolo aggiunge una dimensione di mobilità: è portatile, senza fili e ricaricabile a induzione su una base progettata per preservare la purezza formale dell’oggetto. La sua sorprendente leggerezza fisica contrasta con il generoso volume visivo del diffusore, facilitandone lo spostamento da un ambiente all’altro in base alle esigenze.

La delicatezza formale di Closer non compromette le prestazioni in esterno. La collezione è conforme alle normative vigenti per apparecchi outdoor ed è progettata secondo criteri di durabilità: materiali selezionati, protezione contro i raggi UVA per preservarne i colori e soluzioni di fissaggio che garantiscono stabilità e sicurezza.

L’opzione con asta rigida rappresenta una soluzione particolarmente consigliata in ambienti ventosi o con soffitti inclinati: riduce le oscillazioni e assicura un orientamento costante della luce.

La versatilità di Closer consente di giocare con combinazioni di volumi, colori e altezze: le sospensioni possono dialogare tra loro creando costellazioni e composizioni che modulano la percezione dello spazio, mentre le unità portatili rappresentano delle specie di aloni mobili che completano la scena luminosa su altri livelli. L’insieme genera una sinfonia di strati di luce calda che sa accompagnare con discrezione.

Closer è una sintesi di artigianalità e tecnologia: rete intrecciata a mano, integrazione della sorgente luminosa, ricarica a induzione e regolazione dell’intensità rispondono a esigenze tanto estetiche quanto funzionali.

Pensata per chi cerca una lampada capace di portare calore e prossimità in contesti domestici e contract, Closer trasforma la luce in un punto di incontro tra il comfort degli interni e la vita all’aria aperta.

All’esterno, le montagne innevate; all’interno, calore e comfort definiscono questo rifugio contemporaneo, progettato per invitare alla pausa. I materiali assumono un ruolo centrale: ardesia, pietra naturale e legno di rovere rivestono l’architettura, rendendola ancora più accogliente. Arredi su misura si combinano con elementi di grandi marchi, all’interno di una palette neutra arricchita da tessuti naturali come lana e lino, texture morbide e dettagli curati.

Nella zona pranzo, una presenza sospesa cattura lo sguardo: l’installazione di Algorithm Grid, design di Toan Nguyen per Vibia. Una composizione che si integra nello spazio con naturalezza, unendo tecnica, equilibrio e dimensione poetica. Ridefinisce l’esperienza domestica avvicinandola a quella di una galleria o di uno spazio espositivo, senza perdere calore. L’approccio progettuale di Verónica Mimoum si riflette nella capacità di creare ambienti che accompagnano e fanno sentire, una visione presente in ogni dettaglio, anche nella scelta di questa luminaria.

In una casa di montagna come questa, dove il contesto naturale e le stagioni influenzano il modo di vivere, la luce assume un ruolo ancora più determinante. La luce naturale cambia con la neve, il clima e le ore del giorno; quella artificiale prolunga il comfort, accompagna i momenti di quiete e crea un rifugio accogliente quando arriva la sera. Diventa così un elemento chiave nell’identità degli spazi e nell’esperienza quotidiana.

Qui la luce agisce come un linguaggio: la luminosità che entra dalle vetrate si bilancia con la luce morbida di Algorithm Grid, che avvolge la zona pranzo. Le sue sfere in vetro soffiato, attraversate da leggere scanalature, diffondono la luce dalla sorgente interna, mentre la struttura metallica nera si presenta come un elemento versatile.

L’installazione diventa il fulcro dello spazio: i suoi globi sospesi evocano una costellazione luminosa che sembra fluttuare, proiettando una luce calda sul tavolo e contribuendo a definire l’atmosfera. Oltre alla sua presenza visiva, accompagna i ritmi quotidiani e contribuisce a creare ambienti di calma. Algorithm Grid trasforma la luce in un gesto al tempo stesso poetico e funzionale, mettendo in relazione design, geometria e armonia. Come gocce sospese, le luminarias definiscono l’atmosfera e contribuiscono a costruire l’identità della casa.

L’installazione si adatta all’altezza del soffitto e alle proporzioni della zona pranzo, accompagnando il dialogo tra i materiali e il paesaggio esterno. La sua luce intima e diffusa è adatta ai diversi momenti della giornata, da una colazione lenta a una cena condivisa. Algorithm Grid trasforma così la zona pranzo nel cuore della casa: una composizione luminosa sospesa che accompagna la vita quotidiana con naturalezza.

Crediti:
– Progetto di Verónica Mimoun
– Fotografie di Montse Garriga
– Architettura di Mano Arquitectura

I cinque progetti residenziali che presentiamo di seguito lo dimostrano con chiarezza. Ognuna delle case selezionate riflette un modo diverso di abitare, ma, al di là dello stile, tutte hanno qualcosa in comune: la luce come elemento capace di ridefinire il concetto di casa, adattandosi a ogni momento e alle esigenze di chi la vive.

Con un’originale distribuzione su doppia altezza e spazi generosi, questa abitazione di nuova costruzione, progettata dall’architetto Joost Woertman, trasmette una naturalezza spontanea, giocando al contempo con il colore e l’illuminazione per definire i diversi ambienti. Al piano terra, la cucina con zona office diventa il centro della vita quotidiana (e l’angolo preferito dalla famiglia). Qui, in collaborazione con lo studio Lichtadvies 010, la collezione Plusminus di Vibia attraversa il soffitto, creando una composizione scultorea e leggera grazie alla sua fascia in tessuto color terracotta. La stessa collezione, declinata con piccoli spot, contribuisce a creare un’atmosfera più intima e soffusa in un’altra area della casa.

Lo spirito mediterraneo permea la residenza progettata dall’architetta Cristina Soler (Arquemo), dove si dà priorità alla luce solare, all’uso di materiali naturali e a una palette di toni neutri. In questo ambiente rilassante si inseriscono le lampade di Vibia. In ingresso, Wireflow reinterpreta il tradizionale lampadario a bracci, sovrastando la doppia altezza dello spazio.

Nella zona giorno, le lampade della collezione Skan, in un rosso terracotta, conferiscono personalità al tavolo da pranzo, generando un’atmosfera calda e familiare.

Le grandi città sono sinonimo di vitalità, progetti e ambiente multiculturale, ma anche di stress ed eccesso di stimoli. Ecco perché, quando varchiamo la soglia e rientriamo a casa, tutto ciò che desideriamo è calma e tranquillità. Questo appartamento urbano, il cui interior design è curato da Clysa, tiene lontano il caos della giungla d’asfalto grazie all’illuminazione, in particolare alle collezioni Tempo, Dots e Pin, che bilanciano funzionalità e comfort in un design elegante e intramontabile.

Ogni lampada si adatta al proprio contesto: le due versioni di Tempo definiscono l’intimità della camera da letto; Pin delinea con discrezione le zone di passaggio, generando un contrappunto al legno; e Dots, con il suo carattere artigianale e la sua elevata funzionalità, crea angoli accoglienti che invitano alla lettura e al riposo.

Non esiste scenario migliore di quello offerto dalla natura, come dimostra questa residenza firmata da Olivegrey. Con il verde all’orizzonte e una palette di materiali naturali negli interni, la luce funge da filo conduttore. Nel soggiorno, Sticks valorizza le forme pure e il legno, collegando i due volumi dell’altezza e presentandosi al contempo come una scultura fluttuante.

Posizionata strategicamente sopra il divano, Tempo emana una luce accogliente con un design che unisce elementi classici e contemporanei. Nella sala da pranzo, Flat avvolge l’ambiente in una luce morbida che non toglie protagonismo al paesaggio esterno.

Francesc Rifé e María José Delgado firmano il progetto di questa casa che sembra pensata per nomadi digitali in fuga dal ritmo frenetico della città.

Il cemento e il legno di rovere naturale instaurano un dialogo con collezioni come Ghost, presente in ingresso con la sua leggerezza eterea, o Flamingo, le cui lampade conferiscono al tavolo da pranzo la levità ideale per una residenza affacciata sul mare.

Come abbiamo visto, ciò che accomuna questi progetti residenziali non è uno stile o un contesto specifico, ma qualcosa di molto più sottile – e al tempo stesso potente: l’uso della luce, in sintonia con l’architettura, per apportare comfort, carattere e bellezza alla casa. In altre parole, il design dell’illuminazione come fonte di benessere emotivo.

Prodotti in evidenza:
– Plusminus
– Wireflow
– Skan
– Tempo
– Dots
– Pin
– Sticks
– Flat
– Ghost
– Flamingo

Che si tratti di un giardino mediterraneo o di una terrazza urbana, questi rifugi ci mantengono in contatto con la natura. Ecco perché è fondamentale che siano progettati con cura – soprattutto a livello di luce –per consentire un’esperienza pienamente gratificante. L’illuminazione accompagna il ritmo della giornata e diventa protagonista di notte, giocando con le ombre, dialogando con l’architettura e integrandosi nel paesaggio.

Il primo progetto ci porta nel cuore di Sydney, accanto alla sua iconica Opera House. Più precisamente, nei giardini della Government House, dove il restyling dell’architetta paesaggista Jane Irwin è riuscito a rinnovare questo ambiente idilliaco senza perderne l’essenza, puntando su specie autoctone e su un tracciato organico che collega l’edificio al porto.

Le lampade della collezione Bamboo, con il loro distintivo profilo slanciato, si distribuiscono lungo i percorsi come un’estensione naturale della vegetazione. Di giorno, le loro linee eleganti si integrano con discrezione nell’ambiente; al calare della sera, diffondono una luce soffusa che accompagna la passeggiata lasciando emergere le sfumature del giardino.

La residenza familiare sulla Costa Brava progettata da Cristina Soler rappresenta un esercizio di equilibrio tra architettura e natura, dove la pietra bianca, i legni naturali e una palette cromatica delicata danno vita a un’atmosfera autenticamente mediterranea che si fonde con il paesaggio costiero.

Qui l’illuminazione esterna accompagna l’architettura con discrezione, integrandosi nel giardino e valorizzando il paesaggio naturale. Bamboo si mimetizza tra la vegetazione come un elemento scultoreo; Brisa emette un fascio caldo e concentrato che esalta le piante aromatiche; Meridiano proietta disegni luminosi sul suolo, coniugando funzionalità e dimensione artistica.

La luce e la vista sul mare sono il filo conduttore del progetto di questa casa di Malta, la cui ristrutturazione – a cura di Luca Peralta Studio (Roma) – mirava a rafforzare la relazione tra lo spazio costruito e il paesaggio. A tal fine, l’architettura si organizza su due piani orizzontali che incorniciano le vedute e dilatano la sensazione di ampiezza e serenità.

Accanto alla piscina, la collezione Bamboo delimita lo spazio introducendo una presenza organica e scultorea. Le sue sottili “canne” da cui promana una luce calda evocano la forma del bambù e proiettano riflessi sulla superficie dell’acqua, integrandosi con naturalezza nell’ambiente circostante.

Nel corridoio esterno che collega le diverse zone della villa troviamo una sequenza di vari elementi della collezione Meridiano che svolgono una duplice funzione: illuminare il percorso e fungere da seduta. La sorgente LED crea un suggestivo gioco di luci e ombre sul pavimento, trasformando la terrazza in uno spazio di relax da cui contemplare il giardino mediterraneo e, sullo sfondo, il mare.

L’ultimo progetto si sviluppa su una terrazza urbana di Barcellona progettata da Josep Lluís Xuclà, che combina materiali naturali, aree dedicate all’incontro e al relax e una selezione di lampade capaci di adattarsi ai vari momenti della giornata.

Dalla serie Out, che offre un’illuminazione diffusa e poco contrastata, alla luce morbida e accogliente del modello Mayfair Mini, fino alla collezione Empty – che funge contemporaneamente da tavolo, sgabello e lampada –, passando per elementi originali come Bamboo o le applique Meridiano: Vibia dimostra qui la versatilità delle sue collezioni outdoor, che permette di creare atmosfere accoglienti in qualsiasi contesto, sia professionale sia domestico.

In sintesi, questi quattro progetti, pur molto diversi per scala e finalità, partono da una stessa convinzione: l’illuminazione esterna ridefinisce la relazione tra architettura, paesaggio ed esperienza umana. Oltre a illuminare, crea spazi per il riposo e il piacere, ma anche per lasciar fluire stati meditativi e processi creativi (o, come direbbe David Lynch, per “prendere il pesce grosso”).

Prodotti in evidenza:
– Bamboo
– Brisa
– Meridiano
– Out
– Mayfair Mini
– Empty

A Toronto (Canada), lo showroom Cosentino costituisce uno spazio in cui matericità, architettura e illuminazione convivono in perfetto ed armonioso equilibrio, dando vita a un ambiente espositivo ampio, moderno e luminoso – caratteristiche ulteriormente intensificate dall’altezza.

Nella visione d’insieme, le diverse collezioni agiscono come una struttura invisibile che organizza il percorso e interagisce con l’ambiente, accompagnando il visitatore dall’ingresso fino ai vari spazi in cui si articola lo showroom e generando un’esperienza sensoriale piacevole e coinvolgente.

Ogni collezione conferisce identità all’ambiente per cui è stata scelta, illuminandolo con funzioni differenti, perfettamente definite da ciascun apparecchio. Wireflow Lineal disegna geometrie nella reception; Plusminus attraversa il complesso con fluidità; Kontorno incornicia la luce con precisione nelle sale interne.

Le varie lampade non solo si distinguono per le differenti personalità, creando un forte impatto visivo, ma nello showroom riescono anche a dialogare con superfici e materiali esposti, introducendo registri luminosi differenti all’interno dello stesso progetto.

Fin dall’ingresso, è evidente il ruolo centrale svolto nello sviluppo dell’atmosfera generale dal design illuminotecnico, frutto di un’attenta distribuzione dello spazio, con i relativi elementi di arredo e accessori. Il tutto in una raffinata gamma di tonalità neutre che genera un’atmosfera serena, un invito a soffermarsi, a vivere un percorso piacevole e, soprattutto, a vedere e toccare le diverse proposte Cosentino.

Il primo elemento che si presenta al visitatore è la reception, delimitata da un bancone di forte presenza visiva grazie alla sua finitura a listelli. Le linee verticali sono enfatizzate nella parte superiore dalla collezione Wireflow Lineal, progettata da Arik Levy, i cui cavi neri tracciano una silhouette aerea dall’espressione sobria e precisa.

Il segno geometrico tracciato nello spazio accoglie il visitatore con un’espressione quasi poetica, spandendo sull’elegante bancone una luce nitida e diretta (senza diffusore) che ne accentua texture e volume.

Dallo stesso punto d’ingresso parte una sequenza di Plusminus che percorre lo spazio dello showroom attraverso composizioni di sfere e coni, creando un’ordinata continuità aerea. Questo design di Diez Office, caratterizzato dalla fascia in tessuto con conduttore integrato, consente di fissare liberamente le lampade in base alla loro funzione.

La versione sferica di Plusminus, che sovrasta la zona centrale, offre un’illuminazione a 360°, più diffusa e generale. Il modello a cono, invece, è riservato a un’area specifica — il tavolo principale — con un’illuminazione direzionata e diffusa che risponde a un’esigenza luminosa più puntuale.

Lo showroom dispone anche di una sala separata per la quale è stata selezionata un’altra collezione, Kontorno, design di Sebastian Herkner, che introduce un linguaggio differente. Per questo progetto è stata scelta la versione con riflettore metallico curvo, che proietta la luce verso il basso in un fascio preciso. I cavi quasi impercettibili restituiscono una sensazione di leggerezza che esalta l’illuminazione avvolgente, generando un effetto discendente controllato.

Nel progetto dello showroom Cosentino di Toronto vengono messe in evidenza le potenzialità luminose di collezioni molto diverse tra loro che, grazie a un attento studio preliminare di interior design, riescono a offrire una varietà compositiva armoniosa e coerente. Insieme, le tre collezioni costruiscono un’esperienza sensoriale che accompagna e organizza il percorso, conferendo carattere allo spazio e illuminandolo al tempo stesso.

Prodotti in evidenza:
– Plusminus
– Wireflow Lineal
– Kontorno

I progetti dell’architetto Pitsou Kedem sono il riflesso del suo modo di vivere: un’esplorazione costante della luce, del silenzio, della materia. Nel suo studio, fondato nel 2000, insegue una visione profonda ed espressiva del minimalismo, caratterizzata dalla ricchezza dei materiali, dal rispetto per il contesto e dal desiderio di mettere ordine nel caos. I suoi edifici sono un invito alla pausa e un balsamo sensoriale. Abbiamo parlato con lui, e ci ha raccontato cosa lo emoziona, da dove trae ispirazione, quali principi guidano il suo lavoro e che rituali scandiscono la sua vita. Attraverso il suo sguardo — di fotografo e architetto — scopriamo un modo di vedere e di intendere la luce come materia, come elemento che disegna la realtà e le conferisce profondità.

Pitsou Kedem racconta che tutto è cambiato da quando ha messo piede nel monumento eretto dallo scultore Danny Karavan nel deserto del Negev. In quella sorta di scultura abitabile in cemento, con geometrie che al suo interno creano un gioco di luci e ombre, è nato il suo amore per l’architettura.

Nei suoi edifici, Pitsou lascia alla materia lo spazio per respirare. Nella sua mente, fa lo stesso con i pensieri. Per questo porta sempre con sé un libro e ogni giorno cerca un momento per sedersi in un caffè e dedicarsi alla lettura. Questa immersione in altre vite lo aiuta a staccare, a liberare la mente e ad affinare l’attenzione.

L’artista James Turrell, con il suo modo di affrontare luce e spazio, lo ha aiutato a riconciliare due aspetti di sé: il bisogno di ordine e la ricerca di calore. Il primo incontro con la sua opera è avvenuto all’Israel Museum, dove si trova Space that sees, una scultura ambientale aperta al cielo che invita alla contemplazione meditativa del movimento delle nuvole e della luce che attraversa e avvolge lo spazio. Nei suoi progetti, Pitsou cerca di ricreare quella contenuta essenzialità materica e formale che lascia spazio all’emozione e al pensiero.

Pitsou ritrova quella sensazione provata davanti all’opera di Turrell ogni volta che si rivolge alla sua principale fonte di ispirazione: la natura. Quando va ad arrampicarsi nei fiordi norvegesi, il silenzio permette ai suoi pensieri di vagare, mentre la luce “dipinge sulla tela bianca del paesaggio”. Tornato in studio, riversa quella sensazione negli spazi, progettandoli affinché non si impongano ma lascino esprimere chi li abita.

Una convinzione guida il suo lavoro: la luce è per uno spazio ciò che la materia prima è per una struttura. La luce serve per costruire, per dare forma. Nel suo studio affronta ogni edificio come un’opportunità per lasciare entrare la luce e darle significato, ravvivare le texture, mettere in risalto i volumi. Per lui, l’architettura è “l’esperienza umana nello spazio”, e la luce è l’alleata che la impreziosisce. Per questo ritiene che la scena del film The Brutalist in cui l’architetto protagonista mostra con una torcia come la luce inciderà sull’edificio racchiuda in un solo minuto i suoi venticinque anni di carriera.

Il suo linguaggio è fatto di dicotomie, di tensioni, di equilibri risolti con cura. Sa che senza l’oscurità non possiamo conoscere la luce, e questa acquisisce ancora più valore quando siamo consapevoli dell’esistenza di entrambe. Il suo studio persegue un minimalismo che non è neutro né freddo, ma emozionante ed espressivo, arricchito dal contrasto tra luce e ombra, tra colori e texture. Se dovesse dare un solo consiglio a un giovane architetto, sarebbe questo: “Trova il tuo linguaggio e restagli fedele fino alla fine. Anche se là fuori c’è rumore. Anche se altri ti dicono che è estremo, eccessivo. Credi nella tua verità architettonica”.

In una professione spesso dominata dall’ego, Pitsou va nella direzione opposta: cerca di lavorare con persone desiderose di condividere, nella convinzione dell’importanza del lavoro di squadra per attivare quella creatività che nasce dal dialogo e dalla contaminazione. Proprio come in uno spazio, dove l’emozione nasce dal dialogo tra luce e materia.

“Non sono un architetto che fa anche fotografie; sono un fotografo a cui piace anche costruire”, dice Pitsou. Questo modo di guardare il mondo — e l’architettura — attraverso l’obiettivo è ancora oggi presente nel suo lavoro. E non solo a livello di sguardo, ma dell’intero processo: ciò che precede e segue lo scatto. L’attesa che ciò che si osserva venga rivelato: dalla luce che colpisce l’edificio un attimo prima di fotografarlo a quella che penetra nel negativo e vi si imprime, fino ai reagenti chimici che, poco a poco, fissano quell’istantanea nella camera oscura. Con l’atteggiamento del fotografo, Pitsou disegna l’edificio: lentamente, lasciando che si riveli da sé.

All’ingresso del ristorante, il protagonismo è affidato al legno della porta scorrevole e al rivestimento della parete su cui campeggia il nome Silo, che accoglie il visitatore anticipando l’atmosfera calda e sensoriale del locale. Solo il colore rosso corporate, presente nel profilo delle lettere, nella maniglia della porta e in alcuni elementi interni, si concede un accento cromatico, deciso ma delicato, all’interno dell’estetica armoniosa dell’ambiente.

Il ristorante si trova all’interno del Wake Biohotel di Medellín ed è ispirato al concetto di farm-to-table, che mette in risalto autenticità, sostenibilità e connessione con la terra. L’obiettivo dello studio 5 Sólidos, autore del progetto, è che questa filosofia gastronomica si rifletta anche nell’interior design, valorizzando la qualità della luce e il progetto architettonico attraverso uno stile dalle linee pulite e organiche che richiama la purezza della natura.

Gli ospiti del ristorante Silo possono assaporare una cucina autentica e sincera, che si riconnette all’origine di ogni ingrediente. Questa percezione è ampliata da un ambiente in cui predominano forme pulite, materiali nobili, tonalità della terra e fibre naturali lavorate da artigiani locali. In questo dialogo tra design e gastronomia, la collezione Circus Solo apporta la propria qualità luminosa, in una ricetta che parla lo stesso linguaggio dell’ambiente circostante in termini di equilibrio, precisione e naturalezza.

Della collezione disegnata da Antoni Arola è stato scelto il modello a sospensione, che consente di coniugare luce puntuale, diretta o diffusa per valorizzare i dettagli naturali dell’interior design e accompagnare l’autenticità dell’esperienza culinaria, fino a mettere in risalto la texture delle portate stesse.

Questo gioco di effetti luminosi offerto dalla collezione si adatta perfettamente alle esigenze funzionali di questo ristorante distribuito su due livelli, permettendo di creare differenti gradi di intimità senza alterare la serenità complessiva dello spazio.

Nella zona centrale, la luce di Circus Solo filtra delicatamente tra gli elementi in fibre naturali sospesi che decorano l’ambiente, scandendo un ritmo visivo che segue la geometria inclinata del soffitto e genera una sensazione di calma e movimento al tempo stesso.

Al livello superiore del locale si trova invece una sala riservata a eventi privati, dove la narrazione progettuale prosegue, enfatizzata da una luce calda e controllata che invita alla conversazione. In uno speakeasy nascosto, dall’atmosfera più intima e misteriosa, l’illuminazione assume un ruolo ancora più centrale grazie alla possibilità di modularne intensità e contrasto.

Questo progetto dimostra come la collezione Circus Solo vada oltre la sua funzione primaria di illuminazione, trasformando la luce in un vero e proprio esercizio compositivo. Circus Solo permette al professionista dell’interior design di creare atmosfere differenti che evolvono insieme allo spazio, dove ogni apparecchio è un gesto e ogni fascio luminoso una nota che contribuisce all’armonia dell’insieme.

Un insieme in cui la luce nutre lo spazio di sensorialità. Proprio come la cucina del ristorante Silo consente al palato di assaporare l’essenza di ogni ingrediente.

Crediti:
– Interior Design by: 5 Sólidos
– Lighting Design by: Paula Serna

Disegnata da Martín Azúa e disponibile in modelli lineari e circolari, Halo Jewel eleva l’ambiente che la accoglie con un senso di serenità ed equilibrio. Ogni volume è definito da un rigoroso controllo formale e concepito come un insieme integrato. Linee verticali e anelli orizzontali fluttuano delicatamente, avvolgendo lo spazio con una luce intensa e fluida.

Ogni apparecchio è sospeso al soffitto tramite sottili elementi in acciaio, realizzati artigianalmente e disponibili nelle finiture oro o nero lucido. Come in un gioiello, la struttura metallica valorizza e al tempo stesso sostiene il diffusore.

Grazie a Composing Pendants, Halo Jewel si libera dai limiti dei sistemi elettrici tradizionali. Un singolo corpo illuminante può attraversare liberamente lo spazio oppure più elementi possono essere sospesi a piacere e collegati a un unico punto di alimentazione.

Le versioni lineari canalizzano la luce con precisione verticale, incarnando un linguaggio visivo contemporaneo che valorizza corridoi e ambienti residenziali. Sospese in gruppo, le linee dialogano tra loro, creando un senso di movimento e ritmo mentre la luce scorre da un elemento all’altro. In spazi commerciali o pubblici come gallerie o hall di hotel, l’equilibrio simmetrico o asimmetrico delle composizioni diventa un elemento scenografico di grande impatto.

ll modello circolare, al contrario, presenta un carattere etereo. La sua silhouette essenziale crea una distintiva aura, diffondendo una luce calda e ambientale sopra il tavolo da pranzo. In una fusione di luce, spazio e materia, gli anelli sembrano fluttuare senza peso, sospesi a diverse inclinazioni grazie a fili sottilissimi. Le orbite delicate ed essenziali evocano equilibrio e movimento, un istante congelato nel tempo.

La collezione offre infinite possibilità compositive, sebbene le forme lineari e circolari non possano essere combinate tra loro. Le opzioni di installazione a incasso o con comando remoto, discrete e integrate, preservano la continuità visiva, mentre le soluzioni a superficie o con cavo libero si adattano a soffitti più complessi, permettendo a ogni configurazione di inserirsi armoniosamente in qualsiasi contesto.

All’interno di questo sistema modulare, le geometrie rassicuranti e la morbida luminosità di Flat avvolgono delicatamente lo spazio creando un’atmosfera accogliente. La collezione è al tempo stesso poetica e funzionale: comporre con Flat significa esplorare proporzioni e scale per dare vita a composizioni eleganti ed equilibrate.

Delicata ma al contempo dotata di grande forza geometrica, la lampada a sospensione Flat riflette la caratteristica precisione di Ichiro Iwasaki, noto per il suo stile essenziale e astratto. La luce si riflette sulle superfici dei diffusori a forma di disco, sospesi a diverse altezze tramite cavi ultrasottili, per creare strati di illuminazione intima e soffusa.

I dischi più piccoli catturano la luce e la riflettono verso quello più grande, la cui presenza calma e leggera sembra brillare dall’interno. Definita da un senso di precisione e leggerezza visiva, la materialità attentamente studiata del paralume, del diffusore, del cavo e del rosone crea un insieme coerente e armonioso.

La superficie superiore di ogni disco è disponibile in una palette di tonalità naturali — Off-White, Terra Red e Green L1 — scelte per dialogare con un’ampia varietà di interni. Queste finiture discrete rafforzano l’armonia visiva della lampada, mantenendo un equilibrio raffinato tra materia, forma e luce.

L’integrazione nel sistema Composing Pendants permette a Flat di liberarsi dai vincoli architettonici. Un singolo apparecchio può attraversare lo spazio con naturalezza, oppure più elementi possono essere sospesi allo stesso punto di alimentazione, offrendo ai progettisti la libertà di esplorare complesse configurazioni creative.

La semplicità formale della collezione si traduce in una presenza scultorea: i piani sovrapposti introducono profondità e texture visiva nello spazio. Una gamma di discrete opzioni di installazione— remota, a incasso, a superficie o con cavo libero — preserva l’eleganza di ogni composizione, permettendole di integrarsi armoniosamente nell’ambiente.

Comporre con Flat significa esplorare la luce e la geometria. I dischi fluttuanti della collezione si dispongono in strati armoniosi, infondendo allo spazio una sensazione di leggerezza e serenità. Esaltata dalla libertà modulare del sistema Composing Pendants di Vibia, Flat si sviluppa in una composizione intuitiva e fluida. La precisione di ogni silhouette, unita all’illuminazione morbida, crea un’atmosfera equilibrata ed elegante, contemporanea e insieme senza tempo.

Inizia a comporre con Flat e progetta composizioni uniche con Composing Pendants.