I progetti dell’architetto Pitsou Kedem sono il riflesso del suo modo di vivere: un’esplorazione costante della luce, del silenzio, della materia. Nel suo studio, fondato nel 2000, insegue una visione profonda ed espressiva del minimalismo, caratterizzata dalla ricchezza dei materiali, dal rispetto per il contesto e dal desiderio di mettere ordine nel caos. I suoi edifici sono un invito alla pausa e un balsamo sensoriale. Abbiamo parlato con lui, e ci ha raccontato cosa lo emoziona, da dove trae ispirazione, quali principi guidano il suo lavoro e che rituali scandiscono la sua vita. Attraverso il suo sguardo — di fotografo e architetto — scopriamo un modo di vedere e di intendere la luce come materia, come elemento che disegna la realtà e le conferisce profondità.

Pitsou Kedem racconta che tutto è cambiato da quando ha messo piede nel monumento eretto dallo scultore Danny Karavan nel deserto del Negev. In quella sorta di scultura abitabile in cemento, con geometrie che al suo interno creano un gioco di luci e ombre, è nato il suo amore per l’architettura.

Nei suoi edifici, Pitsou lascia alla materia lo spazio per respirare. Nella sua mente, fa lo stesso con i pensieri. Per questo porta sempre con sé un libro e ogni giorno cerca un momento per sedersi in un caffè e dedicarsi alla lettura. Questa immersione in altre vite lo aiuta a staccare, a liberare la mente e ad affinare l’attenzione.

L’artista James Turrell, con il suo modo di affrontare luce e spazio, lo ha aiutato a riconciliare due aspetti di sé: il bisogno di ordine e la ricerca di calore. Il primo incontro con la sua opera è avvenuto all’Israel Museum, dove si trova Space that sees, una scultura ambientale aperta al cielo che invita alla contemplazione meditativa del movimento delle nuvole e della luce che attraversa e avvolge lo spazio. Nei suoi progetti, Pitsou cerca di ricreare quella contenuta essenzialità materica e formale che lascia spazio all’emozione e al pensiero.

Pitsou ritrova quella sensazione provata davanti all’opera di Turrell ogni volta che si rivolge alla sua principale fonte di ispirazione: la natura. Quando va ad arrampicarsi nei fiordi norvegesi, il silenzio permette ai suoi pensieri di vagare, mentre la luce “dipinge sulla tela bianca del paesaggio”. Tornato in studio, riversa quella sensazione negli spazi, progettandoli affinché non si impongano ma lascino esprimere chi li abita.

Una convinzione guida il suo lavoro: la luce è per uno spazio ciò che la materia prima è per una struttura. La luce serve per costruire, per dare forma. Nel suo studio affronta ogni edificio come un’opportunità per lasciare entrare la luce e darle significato, ravvivare le texture, mettere in risalto i volumi. Per lui, l’architettura è “l’esperienza umana nello spazio”, e la luce è l’alleata che la impreziosisce. Per questo ritiene che la scena del film The Brutalist in cui l’architetto protagonista mostra con una torcia come la luce inciderà sull’edificio racchiuda in un solo minuto i suoi venticinque anni di carriera.

Il suo linguaggio è fatto di dicotomie, di tensioni, di equilibri risolti con cura. Sa che senza l’oscurità non possiamo conoscere la luce, e questa acquisisce ancora più valore quando siamo consapevoli dell’esistenza di entrambe. Il suo studio persegue un minimalismo che non è neutro né freddo, ma emozionante ed espressivo, arricchito dal contrasto tra luce e ombra, tra colori e texture. Se dovesse dare un solo consiglio a un giovane architetto, sarebbe questo: “Trova il tuo linguaggio e restagli fedele fino alla fine. Anche se là fuori c’è rumore. Anche se altri ti dicono che è estremo, eccessivo. Credi nella tua verità architettonica”.

In una professione spesso dominata dall’ego, Pitsou va nella direzione opposta: cerca di lavorare con persone desiderose di condividere, nella convinzione dell’importanza del lavoro di squadra per attivare quella creatività che nasce dal dialogo e dalla contaminazione. Proprio come in uno spazio, dove l’emozione nasce dal dialogo tra luce e materia.

“Non sono un architetto che fa anche fotografie; sono un fotografo a cui piace anche costruire”, dice Pitsou. Questo modo di guardare il mondo — e l’architettura — attraverso l’obiettivo è ancora oggi presente nel suo lavoro. E non solo a livello di sguardo, ma dell’intero processo: ciò che precede e segue lo scatto. L’attesa che ciò che si osserva venga rivelato: dalla luce che colpisce l’edificio un attimo prima di fotografarlo a quella che penetra nel negativo e vi si imprime, fino ai reagenti chimici che, poco a poco, fissano quell’istantanea nella camera oscura. Con l’atteggiamento del fotografo, Pitsou disegna l’edificio: lentamente, lasciando che si riveli da sé.

Il ritorno ha una poesia di cui la partenza è priva. Andarsene è emozionante, certo, ma dall’Odissea a La città incantata le grandi storie ci hanno insegnato che il desiderio più umano è quello di tornare a casa. Lo sappiamo, lo sentiamo al termine di ogni giornata. Per questo il buon design acquista una particolare rilevanza in quello spazio che chiamiamo casa. Architettura, materia e illuminazione devono essere pensate con cura, per farci finalmente sentire protetti.

Questo principio assume un valore ancora più profondo in camera da letto – l’unico luogo in cui la fretta non è ammessa. Qui ci abbandoniamo alla lettura, alla contemplazione, al pensiero, e attraversiamo il confine tra giorno e notte, sonno e veglia, attività e riposo. A guidare questa transizione e a renderla piacevole è la luce. In ogni ambiente della casa, ma soprattutto qui, un’illuminazione ben progettata trascende gli aspetti funzionali per prendersi cura della sfera sensibile: aiuta a rallentare il battito, a rilassare le spalle, a lasciarsi accompagnare con dolcezza verso la conclusione della giornata, a scivolare in un sonno profondo.

La luce deve essere calda, eterea e avvolgente, per fondersi con l’ambiente senza imporsi. Come quella di Flamingo Mini, disegnata per Vibia da Antoni Arola, che riesce a eliminare la barriera tra illuminazione e spazio. Il modello rappresenta un esercizio di leggerezza: la sorgente luminosa LED, separata da vari strati di diffusori traslucidi, fa sì che la luce venga proiettata sulla schermatura anziché circondare direttamente la fonte. L’effetto è onirico. La luce viene decostruita e, in questo processo, diventa abitabile. Avvolge e accompagna in modo silenzioso e delicato il percorso verso la fine della giornata.

Nella camera da letto di questa casa progettata dallo studio 5 Sólidos, ispirata al minimalismo giapponese, il gesto luminoso della collezione Flamingo Mini dialoga con l’architettura, la materia e il paesaggio esterno per ottenere l’effetto di santuario desiderato. Proiettando la luce sui diffusori – dimostrando il potere del riflesso rispetto alla luminosità diretta – genera quella penombra che addolcisce lo spazio e infonde serenità. Sospese ai lati del letto, le lampade illuminano con delicatezza il cemento e il legno, valorizzando il gioco delle texture.

Flamingo Mini è anche un esercizio di adattabilità e rispetto. Il suo design compatto risponde in modo armonico alle proporzioni della stanza, mentre la natura modulare dei diffusori, che possono variare in numero e dimensioni, permette alla collezione di adattarsi al gusto e ai desideri di chi abita la casa. La sua presenza è elegante, con un tocco di mistero che invita a immergersi nel proprio mondo interiore. La silhouette bilanciata, frutto di una delicata interazione tra eleganti piani orizzontali e sottili linee verticali, trasmette quella stessa sensazione di equilibrio.

Nel corso della giornata, la luce diffusa di Flamingo Mini accompagna i ritmi e i momenti, sincronizzandosi con la luminosità naturale che entra dall’ampia vetrata della camera progettata da 5 Sólidos, un vero e proprio belvedere sulla natura selvaggia che circonda questa abitazione alle porte di Medellín. Durante le ore diurne, la collezione offre un’illuminazione generale, che si trasforma progressivamente in una luce più ambientale e mirata via via che il sole tramonta per fare spazio alla notte. In questo modo, diventa un’estensione naturale dell’architettura: una presenza silenziosa che respira allo stesso ritmo dello spazio e dei suoi abitanti.

In un ambiente così intimo come la camera da letto, la luce di Flamingo Mini scandisce il tempo del riposo, ci avvolge in un silenzio caldo, ci invita a rallentare, a lasciare vagare i pensieri: trasforma la routine dell’andare a dormire in una fonte di benessere. Tutto questo è possibile perché, come ogni illuminazione curata, la collezione si muove nel territorio delle sfumature e della delicatezza. Ci riconnette alla fonte luminosa primordiale, il fuoco, e allo stesso tempo alla poesia più raffinata. Grazie al design di Antoni Arola che decostruisce la luce, ci lasciamo decostruire anche noi: alleggeriamo i pensieri fino a entrare nel mondo dei sogni, sentendoci al sicuro, lì, nella nostra camera da letto.

Crediti:
– Project by 5 Sólidos
– Fotografia by 5 Sólidos

Abbiamo parlato con il designer britannico del suo processo creativo e dei suoi interessi, al di là dell’illuminazione e dell’architettura.

Umut Yamac è noto soprattutto per i suoi dispositivi di illuminazione che superano la mera funzionalità per diventare vere e proprie sculture di luce. Pezzi capaci di coniugare un approccio architettonico e preciso a un aspetto più poetico, artistico e delicato. Ne è un esempio Array, prima collaborazione tra il designer e Vibia: una collezione di lampade a sospensione composte da sottili fili intrecciati a mano e tesi tra due anelli di alluminio, che sembrano avvolgere la luce. La serie unisce una morbida illuminazione discendente con un bagliore rivolto verso l’alto. Il risultato sono lampade sottili e leggere ma allo stesso tempo spettacolari e versatili: volumi sospesi in forme coniche o cilindriche di grande bellezza. Abbiamo parlato con Umut del suo modo di lavorare, dei suoi ricordi, delle sue passioni e dei suoi interessi. Con questa guida, il designer ci invita a scoprire i luoghi, gli oggetti e le esperienze che ispirano la sua creatività.

Le due grandi passioni di Umut non sono luoghi o destinazioni specifiche, ma la natura e i viaggi. Entrambe si riflettono nel suo lavoro e costituiscono la sua principale fonte di ispirazione. “Trascorro gran parte della giornata portando a spasso il mio cane nelle paludi vicino allo studio, con qualsiasi tempo. Mi godo le pause obbligatorie durante la giornata lavorativa e ho scoperto che essere davvero presente e all’aria aperta a volte permette a un’idea di fondo di consolidarsi e solidificarsi, o persino di far emergere la soluzione a un problema”, afferma. Anche viaggiare per lui è estremamente gratificante: trovarsi in un ambiente diverso, dove non si ha familiarità con le persone, la lingua e il contesto. “Uscire dalla routine quotidiana e dalla mia zona di comfort mi rende più attento e ricettivo a ciò che è diverso”.

“James Turrell è probabilmente l’artista che mi ha influenzato di più. L’ho conosciuto all’inizio della mia carriera. La sua capacità di dirigere e controllare aperture e vuoti non è solo un affascinante esperimento di fisica, ma dimostra anche lo straordinario potere della luce e ci permette di apprezzarne la magia”. Il designer ammira in particolare le opere realizzate da Turrell durante il cosiddetto periodo Mendota, quando negli anni Sessanta affittò l’Hotel Mendota a Santa Monica come studio e per diverso tempo sperimentò con lo spazio, modificandone l’architettura e il modo in cui la luce vi entrava.

“Cerco sempre calore e profondità quando valuto materiali e texture. Calore in termini di qualità della luce o di tattilità, ma anche di familiarità. E profondità non solo fisica, ma anche concettuale e stratificata. Una delle proprietà più affascinanti della luce è la sua capacità di penetrare i materiali, caricandoli di luminosità ma anche di qualità scultoree”. Yamac concepisce l’arte come parte fondamentale del design e crea prodotti incentrati sull’interazione tra l’utente e l’oggetto, con grande attenzione ai dettagli e alle sensazioni. Nel suo lavoro esplora concetti come tensione, cromatismo, volume, movimento e altro ancora.

Per scoprire nuovi artisti ascolta la radio (“Soprattutto la stazione BBC 6 Music e i programmi di Gilles Peterson, Iggy Pop, Guy Garvey e Lauren Laverne”) e, da buon amante della malinconia, torna sempre a Nick Cave e PJ Harvey. “Questo sentimento mi è particolarmente utile durante il processo di realizzazione di componenti o prototipi. Ma questo non esclude un po’ di Sabrina Carpenter ogni tanto!”, aggiunge ridendo.

Il Southbank Centre di Londra è stato una parte importante della sua vita fin dall’adolescenza. Tutto è iniziato con lo skateboard, poiché i suoi spazi sotterranei sono stati occupati dagli skater negli anni Settanta. “Da studente, ho iniziato a esplorarne altre parti: il cinema, la galleria, il teatro e la sala concerti. Oltre all’incredibile posizione lungo il Tamigi, sottolineerei l’apertura e l’inclusività del centro, che rappresentano l’essenza di Londra”, spiega.

Pur essendo un grande fan del cibo asiatico e messicano piccante, Umut ama particolarmente quello indonesiano, perché gli ricorda i bei momenti trascorsi durante l’infanzia nel nord di Londra con amici e familiari.

Colleziona libri e piccoli giocattoli meccanici o di equilibrio. Gli piacciono quelli in legno o metallo che stanno in tasca. “Funzionano secondo i principi della fisica, ma in un modo che infonde gioia a chi ha il piacere di toccarli, cosa a cui aspiro nei miei progetti”, dice. Infatti, la sua pratica combina arte, ingegneria e narrazione, dando vita a creazioni che sono allo stesso tempo funzionali ed emozionali, e dotate di un certo spirito ludico.

“Credo che la gentilezza e la franchezza siano spesso trascurate o sottovalutate, mentre sono molto importanti per collaborare con successo. Per entrare a far parte del mio studio sono essenziali una straordinaria capacità di concentrazione e attenzione al dettaglio”, conclude.

Sono i piccoli gesti – una passeggiata, ascoltare musica o collezionare giocattoli di equilibrio – ad attirare l’attenzione di Umut Yamac e a definire la sua particolare visione del design: vicina, sperimentale e con un tocco di poesia. La semplicità e la quotidianità alimentano il suo spirito creativo e la sua particolare sensibilità, con cui poi inventa quelle che non semplici fonti di luce, ma autentiche opere d’arte.

Ogni proposito riflette la motivazione e l’entusiasmo per raggiungere la versione migliore di sé, a livello personale e come parte del team Vibia. Condividere l’obiettivo di continuare a imparare e ad appassionarsi a ogni nuovo progetto professionale è importante, così come lo è ricercare nel tempo libero quei momenti personali che fanno stare bene. Nell’equilibrio si trova la motivazione; nell’entusiasmo di un nuovo anno la voglia di essere felici.

Non potevamo chiudere l’anno senza ricordare gli articoli più letti e i momenti più significativi che abbiamo condiviso nel nostro blog The Edit, dove raccontiamo tutto ciò che accade attorno al mondo del brand attraverso storie che esplorano la luce da molteplici prospettive: nuove collezioni, soluzioni di illuminazione, progetti reali, eventi aziendali, contenuti di approfondimento e molto altro.

Nelle diverse sezioni di The Edit mostriamo come trasformiamo in realtà il nostro obiettivo aziendale: migliorare la vita delle persone tramite atmosfere uniche che favoriscano il comfort, coniugando design, tecnologia e luce per trasformare gli spazi in cui viviamo.

Tra tutti gli articoli pubblicati, abbiamo selezionato il più letto per ogni categoria a mo’ bilancio dell’anno che sta per concludersi, oltre ai momenti più significativi in cui l’illuminazione Vibia è stata protagonista di esperienze culturali e artistiche, amplificando il suo legame con la creatività e l’espressione visiva in contesti differenti ma sempre di grande ispirazione.

Nell’edizione di quest’anno di Euroluce, a Milano, Vibia ha portato in scena il suo concetto Shaping Atmospheres. Nell’allestimento sensoriale progettato da Francesc Rifé, i visitatori si sono ritrovati immersi in un’atmosfera dove la luce dimostrava la sua capacità di risvegliare i sensi, trasformare lo spazio e offrire soluzioni infinitamente flessibili.

La ristrutturazione degli uffici dello studio di design multidisciplinare Il Magma, in Italia, ha avuto al centro Plusminus. La versatilità di questa collezione la rendeva ideale per reinterpretare un nuovo spazio di lavoro condiviso e polivalente, con esigenze funzionali ed estetiche che richiedevano una soluzione luminosa ad hoc, creativa e allo stesso tempo efficiente.

Disegnata da Martín Azúa, la collezione Bind rappresenta un esempio perfetto di apparecchio che offre libertà compositiva per progetti che richiedono spazi adattabili e dinamici. La combinazione di luce d’accento e diffusa dialoga con la creazione di piani orizzontali posti a diverse altezze, generando effetti luminosi ed estetici di grande fascino.

Tra i contenuti di approfondimento del blog non possono mancare quelli che valorizzano il ruolo della luce, soprattutto nei mesi invernali. I ritmi rallentano, le giornate si accorciano e gli spazi interni diventano più intimi: ecco perché, se si vuole generare un benessere fisico ed emotivo più caldo e accogliente, è fondamentale ripensare l’illuminazione dei momenti quotidiani.

Uno dei momenti più significativi del 2025 di Vibia è stata la partecipazione al Padiglione Italia della Biennale di Venezia. Gli apparecchi del nostro marchio hanno esaltato l’essenza architettonica del suggestivo edificio della Tese delle Vergini, del XVI secolo, accompagnando il percorso espositivo con un intenso gioco di chiaro-scuri dal carattere teatrale, ricco di sensazioni.

Solo un linguaggio che non richiede parole può far sì che una collezione come Array riesca a connettere musica, architettura ed emozioni. Una sensazione vissuta dal pubblico dei concerti del pianista Hugo Oliveira, nello spazio Coletivo 284 di Lisbona, dove gli spettatori si sono ritrovati avvolti da un’atmosfera poetica e immersiva davvero unica.

Tutti questi contenuti dimostrano come la luce sappia accogliere, plasmare e connettersi al nostro benessere, che si tratti di un ufficio o di un concerto, di una mostra o della quotidianità di casa. È così che The Edit vuole continuare ad accompagnarvi – con articoli capaci di ispirare e trasformare i vostri spazi attraverso l’illuminazione.

Ogni periodo dell’anno ridefinisce le nostre abitudini, e la luce naturale, che segue i ritmi circadiani durante la giornata, esercita una grande influenza. In questo percorso sensoriale, corpo e mente si sincronizzano con l’ambiente, generando un benessere fisico ed emotivo. Con l’arrivo dell’autunno, le giornate si accorciano e le notti si allungano; la mancanza di luce naturale invita a una vita più introspettiva, rivolta verso l’interno degli spazi. Ciò comporta un nuovo disegno della luce e un modo diverso di vivere i momenti quotidiani.

L’architettura e il design accompagnano questa transizione che, da un lato, rappresenta la ricerca di spazi come rifugi personali e, dall’altro, un rallentamento del tempo vissuto a un ritmo differente. È qui che entra in gioco il potere della luce nell’intimità, offrendo un calore che contrasta con le basse temperature esterne e che abbraccia ogni rituale, accompagnandolo in questo nuovo benessere, più confortevole e accogliente.

Aprire un libro al calar della sera, preparare un’infusione, rilassarsi sul divano o sedersi intorno al tavolo per conversare: sono quei piccoli gesti quotidiani che ora si trasformano e si vivono con uno spirito diverso, illuminati da una morbida luce complice e vicina, che non solo illumina, ma accompagna.

Sono quegli spazi della casa che ora si percepiscono come rifugi del tempo, dove i ricordi riaffiorano e la luce diventa una custode della memoria, trasformando le lampade in veri oggetti del desiderio attorno ai quali si articolano le sensazioni che l’autunno ci svela. Il comfort e il benessere si ricercano più che mai negli spazi interni, e l’illuminazione è l’unico elemento capace di aiutarci a trovarli… e a goderne.

Collezioni come Knit, disegnata da Meike Harde, con la sua texture magnetica, incoraggiano il piacere di sentire il calore della luce e di mantenerlo vicino, ammorbidendo la luminosità grazie a un diffusore traslucido che invita a vivere l’intimità. La presenza serena delle versioni a sospensione, da terra e da tavolo avvolge l’ambiente, trasformandolo in un autentico luogo di benessere.

La collezione Plusminus, nelle sue versioni a sfera e a cono, propone un’illuminazione accogliente, diffusa a 360º o diretta, ideale per gli spazi domestici in cui si articola la vita nei mesi più freddi.

Disegnata da Diez Office, offre anche un’eccezionale versatilità nella composizione e nel fissaggio delle lampade, per adattarsi alle esigenze di ogni progetto.

Chi meglio rappresenta il design senza tempo è la collezione Skan, disegnata da Lievore Altherr Molina, grazie alle linee eleganti della sua silhouette che ridefiniscono la semplicità luminosa.

La sua proiezione calda sulle superfici, come un bagno di luce, aggiunge una sensibilità intima e pura all’atmosfera.

In questo periodo dell’anno, oggetti quotidiani come le lampade assumono una funzione che va oltre l’illuminazione, per diventare compagni e testimoni dei nuovi rituali. Momenti di intimità, silenziosi, che ci connettono con l’essenziale e che si gustano di più, senza rumori, senza fretta, ma sempre immersi nella bellezza luminosa di queste collezioni.

Prodotti in evidenza:
– Knit
– Plusminus
– Skan

Estetica e funzione sono strettamente connesse per Azúa, che evita di introdurre elementi non funzionali al progetto. Con Bind, l’obiettivo era creare una collezione che si integrasse in modo discreto nell’ambiente, offrendo un’illuminazione efficace e intuitiva senza centralizzare l’attenzione su di sé.

Definito da Vibia come un vero e proprio “creatore di atmosfere”, Bind offre totale libertà compositiva, combinando luce d’accento e diffusa per modellare atmosfere ricche di sfumature. Ibrido tra illuminazione tecnica e decorativa, il sistema include versioni da superficie a soffitto e binari a sospensione. L’elemento centrale è costituito da una barra conduttiva a cui è possibile collegare diversi apparecchi, posizionabili liberamente e orientabili in varie direzioni, che diventano strumenti per dirigere lo sguardo e definire le zone di attività.

Durante il processo di sviluppo, il sistema si è evoluto fino a includere elementi a sospensione di collezioni Vibia quali Skan, Slim, North, Tempo e Tube. L’opzione Tunable White consente di creare l’atmosfera ideale in ogni momento.

Bind va oltre il concetto di lampada tradizionale per creare una strategia di illuminazione completa, un sistema tecnico che si adatta alle esigenze in evoluzione dell’utente, risolvendo necessità complesse con estrema semplicità. La luce non è più un principio statico, ma uno strumento dinamico che dialoga con i nostri ritmi circadiani.

Come Vibia, anche Azúa crede che la qualità della luce sia direttamente connessa alla qualità dello spazio. Da angoli intimi ad ambienti dinamici, Bind consente ai progettisti di creare scenari che parlano all’utente sul piano emotivo, generando comfort e benessere in ogni occasione.

Con effetti di luce diffusa, d’accento e riflessa, Circus offre ai designer la flessibilità necessaria per esplorare composizioni creative, stabilire gerarchie visive e creare atmosfere sfumate e coinvolgenti. Disegnato da Antoni Arola, incarna un nuovo approccio integrato alla progettazione illuminotecnica.

Lo sviluppo di Circus è stato un processo in più fasi. L’idea iniziale era quella di creare un sistema con diversi elementi combinabili tra loro per soddisfare una vasta gamma di esigenze di illuminazione. In altre parole, una collezione unica capace di offrire tutto, dall’illuminazione generale a quella mirata, accentuata e organica.

L’architrave del sistema è costituito da un semplice binario – un conduttore di elettricità che permette di fissare i vari componenti in diversi punti e orientarli in differenti direzioni. La complessità iniziale del binario è stata progressivamente semplificata tramite un processo di raffinamento. Fin dall’inizio, era chiaro che Circus doveva evocare un senso di sospensione, leggerezza e movimento. Binari, cavi ed elementi sospesi hanno richiamato in modo naturale l’immagine di un trapezio circense.

Un aspetto essenziale della collezione è la sua versatilità. Arola ha immaginato Circus come una sinfonia di luce, un sistema in cui i diversi elementi agiscono come note, consentendo agli utenti di comporre il proprio ambiente attraverso la luce. Il sistema non è pensato per un ambiente specifico ma è adattabile a qualsiasi architettura, uso o atmosfera. Con pochi elementi è possibile creare una varietà di effetti.

La collezione offre luce diretta da piccoli spot, luce indiretta riflessa da dischi riflettenti, luce diretta più ravvicinata da spot sospesi, luce diffusa da diffusori sferici e luce diretta da paralumi conici tradizionali. L’interazione di fonti ed effetti diversi crea profondità, gerarchia visiva e composizioni dinamiche, consentendo ai progettisti di creare atmosfere uniche. Circus include anche la luce colorata che, secondo Arola, può arricchire il dialogo tra luce naturale e artificiale in modi significativi.

In sintesi, Circus nasce dalla convinzione che la qualità della luce abbia un impatto diretto sul nostro benessere. Il sistema riesce a fondere naturalmente tra loro l’illuminazione tecnica e quella decorativa, separate invece dal lighting design tradizionale, dimostrando un orientamento della mentalità verso un approccio più olistico. Circus è progettato per evolversi nel tempo – una collezione di base destinata ad accogliere nuovi elementi man mano che la cultura della luce si sviluppa.

Uno degli obiettivi principali emersi per il 2025 è quello di contribuire a una crescita stabile e sostenibile dell’azienda. Il team ha sottolineato la necessità di consolidare il marchio Vibia dopo il lancio dell’ultimo catalogo generale, affrontando sfide e opportunità future con entusiasmo, empatia e impegno.

La crescita personale e professionale ha assunto un ruolo centrale, in linea con i principali pilastri strategici di Vibia: esperienza cliente, business incentrato sul cliente e benessere. Investendo in conoscenze, competenze e innovazione, il team ribadisce il proprio impegno a rimanere all’avanguardia in un settore in rapida evoluzione, creando al contempo un ambiente stimolante sia per i clienti che per i dipendenti.

Anche per il 2025 l’esigenza di creatività e innovazione continuerà ad avere un ruolo di primo piano nel lavoro di Vibia. Impegnata a esplorare nuove idee e ad abbracciare prospettive diverse, l’azienda punta a concentrare la sua attenzione sulla creazione di opportunità che favoriscano l’innovazione, contribuendo così a offrire migliori risultati ai clienti e a creare atmosfere in grado di migliorare il benessere e la qualità della vita. Tra gli obiettivi chiave evidenziati dai collaboratori troviamo l’integrazione della tecnologia con le priorità aziendali e il miglioramento della conoscenza trasversale e della comprensione degli strumenti digitali.

Se si guarda al 2025, la sostenibilità rimane un obiettivo fondamentale per Vibia. Tramite un’integrazione di pratiche sostenibili, tecnologie ad alta efficienza energetica e innovativi processi di design e produzione, il team mira a offrire soluzioni di illuminazione funzionali e rispettose dell’ambiente.

In conclusione, tutti i team dell’azienda hanno sottolineato la necessità di una maggiore collaborazione tra i vari reparti per affrontare le sfide di questo 2025. Promuovendo una comunicazione più chiara e aperta, sia all’interno dell’azienda che con i partner esterni, Vibia punta a rafforzare le partnership e rendere più efficace il lavoro di squadra.

Molti professionisti hanno evidenziato l’importanza del riconoscimento e della valorizzazione dei diversi talenti all’interno dell’organizzazione. Condividendo sfide e soluzioni in team e rimanendo aperti a prospettive diverse, la forza lavoro di Vibia è pronta ad adattarsi e prosperare in futuro.